desde puerto plata en republica dominicana....

que depinga antonini en la pagina de interpol...

este es el link... http://www.interpol.int/public/data/wanted/notices/data/2007/81/2007_39581.asp

carlos medina y lo esencial....

sin palabras no hacen falta....

caetano veloso... letra y musica de adncultura.com

Por Luis Esnal
Corresponsal en Brasil

Caetano Emanuel Vianna Telles Velloso desarrolló una adicción: ser molesto. Le gusta salirse del casillero donde se lo quiere ubicar. Cuando en los años 60 había que gritar contra el imperio y sus subproductos, cantaba como un hereje: "Eu tomo uma Coca Cola/ela pensa em casamento" . Si se le pedían bahianismos al estilo de Jorge Amado, adhería a la poesía concreta paulista. Cuando llegó la dictadura, provocó hasta ser prohibido, rapado y exiliado. Cuando había que recuperar lo nacional, cantó en inglés. Cantó Michael Jackson cuando Jackson ya era un cliché, fue posmoderno cuando había que ser de izquierda, y amigo del ex presidente Fernando Henrique Cardoso cuando la moda era denostarlo. Fue intelectual cuando la gente pedía discursos, y ahora que la gente se acostumbró al intelectual, Caetano junta tres músicos y hace una bandita de rock inspirada en el postpunk californiano del grupo Pixies.





Caetano Veloso sigue con hambre. Cuarenta años atrás subió a un escenario con una guitarra eléctrica e inventó -junto con Gilberto Gil- el tropicalismo. Paréntesis: la guitarra eléctrica era un tabú en el Brasil de 1967; se la consideraba un instrumento de banda de rock norteamericana, en contraposición a la guitarra española, apropiada para tocar música brasileña "pura". Así, mostró que el progresismo verdadero era huir del nacionalismo tosco.

Con "Alegría, alegría" (y mientras Gil cantaba " Domingo no parque "), Caetano Veloso volvió pop el "Manifiesto Antropófago" de Oswald de Andrade, credo de los modernistas brasileños de comienzos del siglo XX. El Movimiento Antropofágico (del que, en las artes plásticas, se puede conocer Abaporú , óleo de Tarsila de Amaral que se exhibe en el Malba), tenía una premisa básica: nada de defender la pureza; hay que "comer" la cultura del otro, sea de donde sea, digerirla y producir algo nuevo. Comer al otro como los indios brasileños comieron durante la colonización portuguesa al obispo Sardinha, en busca de su fuerza y conocimiento.

Nacido en 1942, Caetano es flaco, no bebe, no fuma, no consume drogas, pero durante toda su vida se alimentó de todo lo que se le pasó por delante. Las fotos son testimonio: aparece en medio de poetas concretistas, con el recientemente fallecido Michelangelo Antonioni, con Pedro Almodóvar, Jorge Amado, Glauber Rocha, Tom Jobim y Vinicius de Moraes, Federico Fellini, João Gilberto, los poetas Augusto y Haroldo de Campos.

Ese mismo Caetano nos recibe en el lujoso Hotel Fasano, donde se hospeda cuando pasa por San Pablo. En pocos días estará en Buenos Aires presentando su disco Cê (forma corta de decir "você"). ¿Cuál fue su primer contacto con la literatura?, le preguntamos a quien, en sus letras, ha dado muestras de una exquisita sensibilidad hacia la palabra escrita, autor además de Verdad tropical , un libro en parte autobiografía y en parte revisión de la música y la cultura brasileña de las últimas décadas.

"Leía historias de Monteiro Lobato -cuenta Caetano-. Mi casa de Santo Amaro da Purificação, en el interior de Bahía, no tenía libros, a pesar de que mi padre, José Telles Veloso, era un hombre a quien le gustaba la poesía. En la juventud había tenido una vida bohemia con amistades literarias y sabía muchos poemas de memoria. Pero había dejado de leer, de comprar libros. Se había casado y se dedicaba a su trabajo de funcionario en el departamento de Correos. Sus amigos eran más literatos, vivían en Salvador o en San Pablo y aparecían a veces en Santo Amaro. Conversaban de literatura. Mi padre no tenía una biblioteca, pero yo tenía ganas de poseer libros, tenía fascinación por las largas hileras de libros. Hoy tengo muchos y me da placer, porque me gustan también como objeto físico. Mi madre, Dona Canó, leía todo el tiempo, pero para divertirse. Libros de historias sentimentales e historias de aventuras, que lee hasta hoy. En Santo Amaro no había una librería, pero había una biblioteca pública. Me acuerdo de haber leído allí el Don Quijote en una edición portuguesa.

-¿Hay algún libro de aquellos tiempos que te haya marcado?

-A los 14 años encontré un libro de cuentos del escritor norteamericano de origen armenio William Saroyan (1908-1981). Casi no había libros en casa, pero éste estaba allí. Se llamaba El joven audaz sobre el trapecio volante ( The daring young man on the flying trapeeze) . Si me preguntan cuál fue mi primer contacto íntimo con la literatura, yo creo que fue ése. A esa altura yo ya había leído Mar muerto y Capitanes de la arena , de Jorge Amado. Mar muerto me había parecido muy bonito, porque estaba muy bien escrito. Una novela medio poema retórico, con mucha cosa erótica, como en todo libro de Jorge. Eso aumentaba mi interés por el libro, pero no era lo esencial. Lo esencial para mí era aquella prosa que parecía poesía retórica. Pero el libro de Saroyan me dio una visión diferente. Fue como si, después de haber leído muchos libros, me hubiera mostrado una ruptura, una escritura moderna y experimental en relación con lo que era escribir ficción. Aquello me impresionó mucho porque Saroyan se dirigía al lector, y ese cuento que le daba título al libro era muy diferente y bonito.

-Ya entonces te atraía la ruptura...

-Yo tenía sed y hambre de ruptura. En aquella época, Monteiro Lobato reaccionó contra el arte moderno, dijo que él podía ponerle pintura a la cola de un burro, dejar que el animal pintara un cuadro y después mostrarlo como arte moderno. Era una protesta, pero eso hoy podría ser un programa de action painting . Un Jackson Pollock equino -ríe-. Pero lo más extraño del arte moderno es que fue moderno cuando apareció y todavía lo sigue siendo. Una música atonal todavía es ruptura y un retrato de Picasso, también. Lo bueno es que hoy tenés todo: alguien que corta un animal en cuatro pedazos, lo pone en cloroformo y lo expone, y tenés al nieto de Freud, Lucien Freud, que pinta unas personas viejas, desnudas, con un realismo considerable. Todo es válido.

-A la hora de escribir canciones, ¿qué surge primero, la melodía o la letra?

-No siempre es igual. En algunas canciones vienen primero las palabras y en otras, primero la melodía. Pero lo que más me gusta es cuando surgen pedazos de canción ya completos. Entonces la melodía se desarrolla más rápido que la letra. Muchas veces también escribo un texto que queda guardado durante un tiempo, y años después le pongo música.

-¿Cómo llegás al asunto sobre el que escribís?

-A lo largo de mi vida, y también en Cê , he pensado que debo hacer una canción sobre este o aquel tema, diciendo esta o aquella cosa. Y entonces comienzo. En general sale algo un poco diferente de lo pensando en un primer momento. Otras veces es el asunto el que me busca. A veces ni es un asunto, es apenas una imagen, algún sentimiento, una sensación. Y entonces dejo que aquello surja.

-¿El erotismo, siempre presente en tus letras, es herencia de la tierra caliente de Bahía o de Jorge Amado?

-Bahiano no puede dejar de ser, porque soy nacido y criado allí. La presencia de Jorge no puede ser negada, porque lo leo desde la adolescencia. Pero creo que el erotismo y el sexo son intereses míos. No como un asunto entre otros, sino como un absoluto. Un paradigma para todo. Un lugar donde se encuentra la cuestión de por qué existimos. Todo, lo físico y lo espiritual, está condensado en la experiencia del sexo. Es el momento en el que un encuentra la respuesta para todas las preguntas. ¡Responde inclusive al big bang! -ríe.

-Maiakovsky decía que "no hay arte revolucionaria sin forma revolucionaria". El concretismo, que continúa siendo ruptura, se percibe tus letras. ¿Por qué?

-Porque mi relación con los poetas concretos de San Pablo continúa presente en mis preocupaciones literarias y también en mi vida personal, en mi diálogo con Augusto de Campos [hermano de Haroldo de Campos]. Quizás eso se percibe en la crudeza de las letras. La poesía concreta intentó bastarse en ella misma, como poema, y fue acusada de un formalismo estéril, sin conexión con la vida concreta. Hoy todo ese debate está superado. Lo mío son letras de canciones conectadas con la sonoridad de una banda de rock. Pero reconozco que esas presencias literarias están ahí en todo lo que hago.

-Cuando surgía el tropicalismo, estaban en auge el existencialismo francés de Albert Camus y Jean Paul Sartre y el movimiento beatnik, con Jack Kerouac y William Burroughs. ¿Cuál te influyó más?

-El existencialismo francés, porque yo no tenía mucho contacto con el movimiento beat americano, con aquella mitología americana, y tampoco tenía mucha atracción por la literatura de los beats. Me interesé por ellos más tarde, a través de Bob Dylan, cuando él unió folk con rock, y por Jorge Mautner en Brasil. Nunca llegó a gustarme mucho En el camino. Voy a leerlo de nuevo después de muchos años, a ver qué me parece hoy.

-¿Y "Aullido", de Allen Ginsberg?

-Eso lo considero más bonito. Muy bonito, en realidad. E inclusive El almuerzo desnudo, de Burroughs, me parece más interesante que En el camino.

-Ya que mencionás El almuerzo desnudo, ¿las drogas fueron alguna vez estímulo para la creación?

-Para mí, no. Personalmente no me gustan. Me gusta beber, pero como me hace mal, no bebo. En el último día de carnaval, cuando ya está terminando, tomo unas cervezas. Pero ni vino tomo; en el medio de un vaso de vino ya estoy con resaca. No por el calor de Bahía, sino en cualquier lugar, porque vivía en Europa y también consideraba el vino horrible. Vodka con lima de Persia sin azúcar, esa es la mejor bebida del mundo. Pero no la bebo, porque después mi resaca dura días. No vale la pena. Fumé marihuana, pero me daba angustia, me daba fiebre, me oprimía el pecho. Y a la cocaína la odio. Causó ese cambio de la criminalidad en las favelas de Río de Janeiro, porque llevó tanto dinero para allá que creó una economía paralela.

-Se dice que la diferencia entre bossa nova y tropicalismo es una cuestión de clase social. Pero hay una diferencia más clara: el tropicalismo tiene ironía y la bossa nova, no. ¿Lo ves así?

-Claro, la bossa nova casi no tiene ironía. Una excepción es "Desafinado", que era una broma, una ironía, pero Joao Gilberto la grabó en serio. Y quedó sacralizada, justamente. El tropicalismo es todo ironías y quiebre de perspectivas, mientras que la bossa nova es la creación de un estilo refinado, muy bien definido. El tropicalismo es el uso altamente irónico de yuxtaposiciones de estilos muy diferentes. Hasta elementos de la bossa nova aparecen en el tropicalismo, pero de otra forma, puestos en perspectiva.

-¿Seguís con hambre de antropófago?

-Sí, soy un tropicalista antropófago. Pero no he salido a buscar muchas influencias deliberadamente. Cuando aparecen, están expuestas de forma obvia. La introducción de "Nao me arrependo" es una referencia a aquella canción de Lou Reed, "Walk on the Wild Side". En verdad, el grupo en el que pensamos al hacer este show es Pixies, específicamente aquel recital en vivo que hicieron en la BBC. Aquella concentración y crudeza, la reducción a los elementos básicos. La concisión total. Eso es Joao Gilberto, dijo un amigo. Y tiene razón.

-¿Ves una vuelta a tus origenes en este disco?

-No diría una vuelta. Creo que hay un interés por el rock, que era fuerte en el tropicalismo, pero también en Veló, en Transa, en A Foreign Sound. Hasta el disco como Noites do Norte tiene rock.

-¿Qué tiene el rock para volver a él con una banda como la actual?

-El hecho de que se inventó una pureza, una autencididad del rock, que es una farsa. Es una ironía grosera que los rockeros luchen por pureza y autenticidad cuando el rock, en su origen, era basura comercial. Eso es lo bueno. Es como que quien vende Coca Cola diga que una Coca es mejor que los vinos del sur de Francia. Es bueno porque es Coca Cola, ¡y apenas una Coca Cola! El rock tuvo una vitalidad impresionante como música comercial. Esa jerarquía de lo que es noble o no es noble en la música popular me cansa. El rock tiene una importancia enorme y un potencial creativo totalmente vivo. Permite hacer experiencias independientes.

-¿Te mueve el combate del cliché?

-A veces, más todavía, sobreexponer al cliché, para que se libre de sí mismo y las cosas puedan hablar a través de él. Para mí es así. Denunciar el cliché es válido. Pero hacer válido un cliché para el debate intelectual, eso sí es más difícil y arriesgado.

-¿Cuál fue tu interés literario por el escritor Gregorio de Matos (1623/1696) cuando en Londres hiciste "Triste Bahía"?

-Esa era la poesía barroca brasileña, bahiana. Gregorio de Matos era una figura inmensa de la literatura brasileña, un pre-precursor. Era un provocador, un satírico. Lo llamaban "boca del infierno", porque lo que escribía siempre ofendía a alguien, desde curas y monjas hasta gobernantes y su propia ciudad, Salvador de Bahía.

-¿Qué te ha interesado de la literatura argentina?

-Cuando estaba en Londres comencé a leer a Jorge Luis Borges junto con los autores del boom latinoamericano. Todo hispanoamericano, en realidad, porque Brasil, con su portugués, nunca pudo entrar en esa movida. Leí a Gabriel García Márquez, Guillermo Cabrera Infante, Mario Vargas Llosa, Borges y Julio Cortázar. Fui introducido a esas lecturas por amigos de Glauber Rocha, que estaba haciendo Cabezas Cortadas en Barcelona. Yo estaba exiliado en Londres y él me llamó para que fuera a charlar. Fui con Dedé, mi primera mujer, y esos amigos de Glauber me presentaron esos autores que fueron vitales en mi vida. Leí a todos ellos. El que más me gustó fue Borges. Y Cien años de soledad tiene aquel comienzo maravilloso... Como dice el propio Borges: "Qué comienzo maravilloso, pero después...". García Márquez escribe muy bien y juega muy bien con las palabras, pero aquella imaginación de las personas volando, mariposas que revolotean en la cabeza de las personas, me fue cansando un poco. Pero con Borges quedé maravillado para siempre. Esa precisión en la elección de las palabras, esa claridad. Y es un buen poeta, también.

-¿Ves un aislamiento del portugués?

-Brasil queda aislado por tener una lengua que no tiene una presencia mundial, que el español sí tiene. Es una desventaja. Pero como toda desventaja, puede ser transformada en bendición. Es como Brasil en general: son tantas desventajas que tenemos que transformar eso en una bendición.

-La violencia es una de ellas, ¿no?

-Sí. Tenemos un país cordial y violento. Esa combinación surge de la formación del país, del tipo de colonización que tuvimos. La esclavización de los negros africanos, la violencia contra los indios. Todas esas son historias de toda América, pero la violencia y la cordialidad que tenemos hoy es parte de la traducción que Brasil hizo de todo aquel fenómeno. Debemos tratar de superar los problemas y de aportar así alguna contribución importante para el mundo.

Más información: http://www.caetanoveloso.com.br/ce.html






La cita en Buenos Aires

Con el acompañamiento de un power trío de bajo, batería y guitarra eléctrica, Caetano Veloso presentará en Buenos Aires su último disco, Cê, en una serie de cuatro conciertos que se realizarán el 27, 28, 29 y 30 de agosto en el teatro Gran Rex.

Editado a fines del año pasado, Cê es el disco número cuarenta en la carrera del bahiano, que ha dado trabajos memorables como Transa, Cualquer Coisa, Cinema Transcendental y Fina Estampa, entre muchísimos otros.

En su último disco, Caetano ha adoptado un sonido eléctrico en clave de rock, para expresar en su música los sentimientos de oscuridad y desolación que lo asaltaron tras su separación de Paula Lavigne, la madre de sus dos hijos más pequeños.

Su hijo mayor, Moreno, músico también, produjo la placa, en la que Caetano es secundado por tres músicos treintañeros que hoy lo acompañan en la gira en la que está embarcado. Ellos son Padro Sá (guitarra eléctrica), Marcelo Callado (batería) y Ricardo Dias Gomes (bajo y piano Rhodes).

bases del salon aragua...

La Fundación Museo de Arte
Contemporáneo de Maracay Mario Abreu
presenta por vez primera el Salón Nacional de Arte
Aragua, en su edición 32, en su nueva sede, con lo
cual se consolida La Ganadera como un espacio
idóneo para aquellas propuestas de carácter más
experimental.

El 32 Salón Nacional de Arte Aragua
plantea experiencias no convencionales tanto para el
artista como para el Macma. Los espacios físicos
ofrecen a los creadores la oportunidad de desarrollar
nuevos enfoques desde su área particular de trabajo
artístico; con respecto al Museo, significa la ocasión
de integrar los distintos espacios físicos de la nueva
sede, ya sean las áreas recuperadas como salas
expositivas, con los espacios cerrados no
climatizados, otros espacios como nichos y las áreas
abiertas, lo que enriquece, notablemente, la
multiplicidad de lenguajes presentes en este
importante evento de las artes visuales venezolanas.

ARTÍCULO PRIMERO

El 32 Salón Nacional de Arte Aragua se realizará en
las instalaciones de la nueva sede de la Fundación
Museo de Arte Contemporáneo de Maracay Mario
Abreu, ubicada en la Av. Constitución, entre calle
Carabobo y Av. Ayacucho, entre el 24 de noviembre de
2007 y el 10 de febrero de 2008. Las labores de
organización, recepción, registro, conservación,
montaje y difusión estarán bajo la responsabilidad del
Museo de Arte Contemporáneo de Maracay Mario Abreu.

ARTÍCULO SEGUNDO

El Macma designa un Comité Organizador, el cual se
encargará de la redacción de las Bases del 32 Salón
Nacional de Arte Aragua, así como de supervisar cada
una de las actividades que se llevarán a cabo durante su
realización. El Comité Organizador está integrado por

María Carolina Carabaño Zambrano, Presidenta de la
Fundación Museo de Arte Contemporáneo de Maracay
Mario Abreu y Directora Ejecutiva del 32 Salón Nacional
de Arte Aragua, Carolina Pérez Rosales, José Gregorio
Noroño, Esperanza Mundó y Jesús Alvarado.

ARTÍCULO TERCERO
ARTÍCULO CUARTO
ARTÍCULO QUINTO
Podrán participar artistas venezolanos residenciados o no
en el país, y extranjeros con al menos cinco (5) años de
residencia en el territorio nacional, con obras inéditas de
creación individual o colectiva realizadas durante los años
2005, 2006 ó 2007.
La nueva sede del Museo de Arte Contemporáneo de
Maracay Mario Abreu ofrece para la 32 edición del Salón
Aragua las siguientes áreas expositivas:
-Para obra bidimensional: dos (2) espacios cerrados y
climatizados. Las medidas máximas serán de 200 cm de alto
x 150 cm de ancho, con una profundidad máxima de 40 cm.
-Para obras bidimensionales o tridimensionales
resistentes a la intemperie, no efímeras: un (1) espacio
cerrado no climatizado. Las medidas máximas para obra
bidimensional serán de 250 cm de alto x 300 cm de ancho y
40 Kg. Las obras tridimensionales e instalaciones,
desarticuladas o no, no deben exceder las siguientes
medidas y peso: 250 cm de alto x 300 cm de ancho x 250 cm
de profundidad y 60 Kg.
-Para áreas abiertas en la nueva sede las medidas
máximas serán de 500 cm de alto x 500 cm de ancho x 500
cm de profundidad y 60 Kg, e igualmente se ofrecen otros
espacios (nichos), cuyas medidas exactas son 155,5 cm de
alto x 139 cm de ancho y 32 cm de profundidad. Las
instalaciones deberán presentar memoria descriptiva con
maqueta física o digital (3D). Cada artista podrá participar
con una (1) obra, la cual deberá acompañarse, al momento
de la inscripción, de la correspondiente ficha técnica. Los
planos de las áreas expositivas están a la disposición en la
página www.macma.com.ve
El Macma no se hace responsable de los posibles daños que
sufran las obras en las que el artista utilice soportes y
medios expresivos con materiales inestables o de cualquier
otra naturaleza, que propicie la fragilidad y el riesgo en
depósito, traslado, manipulación y exhibición. Tampoco
podrá exigirse responsabilidad por pérdida parcial o total de
la obra cuando las causas obedezcan a inobservancia de
esta regla.
Sede única de recepción: Museo de Arte Contemporáneo
de Maracay Mario Abreu: Av. Constitución, entre Calle
Carabobo y Av. Ayacucho, Maracay, estado Aragua. Del 17
al 30 de septiembre, sin prórroga. Horario: 8:00 am a
12:30 pm y de 1:30 a 4:00 pm de lunes a Domingo.
Telfs: (0243) 5116981 / 5119617. Correo electrónico:
elmacma@gmail.com; salonaragua@gmail.com
ARTÍCULO SEXTO

El plazo máximo para retirar las obras de la sede del
Macma será de quince (15) días hábiles, en horario de
oficina. Después de cumplido el plazo, el Macma podrá
disponer de las obras según lo estime conveniente. Esta
cláusula rige tanto para las obras rechazadas después
del proceso de selección, como para las obras
participantes en el Salón, una vez clausurado el evento.

ARTÍCULO SÉPTIMO

El valor estipulado de la obra que se declare en la planilla
de inscripción, expresado en moneda nacional, en
ningún momento constituirá una referencia en la
asignación de los premios.

ARTÍCULO OCTAVO

Para la inscripción de la obra, el artista deberá llenar la
planilla respectiva con sus datos personales completos,
único documento válido para su retiro. Asimismo,
deberá cancelar una cuota de inscripción de Bs.
10.000,00 (bolívares diez mil), mediante depósito
en efectivo en la cuenta corriente Nº 0102-035892-
00-00015134 del Banco de Venezuela, a
nombre de la Fundación Museo de Arte
Contemporáneo de Maracay Mario Abreu, y
entregar copia del depósito al momento de la
inscripción. La cancelación del monto de la
inscripción no garantiza la participación de la obra
(bien sea presentada por el propio artista, por
terceras personas, por un servicio de transporte o
mensajería contratado o por cualquier otro
medio), si ésta no cumple con los requisitos
establecidos en las bases (medidas, peso), por lo
cual no habrá reembolso del monto cancelado.

ARTÍCULO NOVENO

Cada participante deberá facilitar una síntesis
curricular que contemple los últimos cinco años de
actividad artística. El contenido de la misma deberá
comprender, para efectos de catálogo, la siguiente
información: nacimiento (año, ciudad y país); estudios
cursados (año, institución, ciudad y país); actividad
expositiva: individuales (año, título de la exposición,
sede, ciudad y país); colectivas (año, título de la
exposición o nombre de la confrontación, sede, ciudad y
país); reconocimientos y/o distinciones (año, premio,
nombre de la confrontación, sede, institución u
organismo, ciudad y país); dichos datos deben coincidir
con la información suministrada en las exposiciones


colectivas referidas. La consignación de información
deficiente o confusa afectará la calidad del contenido
curricular que aparezca en el catálogo; incluso, los datos
incompletos pueden ser omitidos en el mismo.

ARTÍCULO DÉCIMO

El Jurado Único de Selección y Calificación está
integrado por: Willy Aranguren (investigador, crítico de
arte, curador y docente universitario); Susana Benko
(investigadora, curadora y crítico de arte); Nan
González (artista plástico y docente universitario);
Martín Sánchez (investigador, curador y Director
Ejecutivo del Centro de Arte Lía Bermúdez); Alejandro
Useche (investigador, curador y docente universitario).

ARTÍCULO DÉCIMO PRIMERO

En el 32 Salón Nacional de Arte Aragua se otorgarán los
siguientes premios:
Gran Premio Salón Nacional de Arte Aragua,
consistente en un premio en metálico de Bs. 20.000.000
(Veinte millones de bolívares).
Premio Mario Abreu, consistente en Bs. 10.000.000
(Diez millones de bolívares).
Premio Ángel Vivas Arias, consistente en Bs.


7.000.000 (Siete millones de bolívares).
Premio Instituto de las Artes de la Imagen y el
Espacio (IAIME), consistente en Bs. 7.000.000 (Siete
millones de bolívares).
Premio para Joven Artista, Menor de 35 años,
consistente en Bs. 5.000.000 (Cinco millones de
bolívares).
Premio Universidad de Carabobo, consistente en Bs.


5.000.000 (Cinco millones de bolívares).
Las obras que obtengan el Gran Premio Salón
Nacional de Arte Aragua y los premios Mario Abreu,
Ángel Vivas Arias, Instituto de las Artes de la
Imagen y el Espacio (IAIME) y Joven Artista,
Menor de 35 años, pasarán a formar parte de la
Colección del Macma, cediendo totalmente los derechos
al Museo sobre las obras. Por tal motivo, el Macma podrá
reproducir parcial o totalmente las obras por cualquier
medio impreso, digital o electrónico con fines de
promoción y difusión del patrimonio artístico del Museo
El Premio Universidad de Carabobo será adquisitivo
para esa Casa de Estudios.

Los componentes de las obras que pasan a formar parte de
la colección de las instituciones que otorgan los premios
(equipos audiovisuales, artefactos eléctricos, mobiliario o
piezas de cualquier otra naturaleza) serán considerados
elementos constitutivos de las mismas.

ARTÍCULO DÉCIMO SEGUNDO

La edición 32 del Salón Nacional de Arte Aragua contempla
la modalidad de artistas invitados fuera de concurso.
Ellos son: Carola Bravo, Asdrúbal Colmenárez,
Roseliano García, Nayra Hernández y Delia Terán.

ARTÍCULO DÉCIMO TERCERO

El artista que haya obtenido el Gran Premio Salón
Nacional de Arte Aragua en las últimas cinco (5)
ediciones, no podrá optar al mismo galardón, pero sí a los
demás premios que otorga el Salón.

ARTÍCULO DÉCIMO CUARTO

Los premios no podrán ser divididos ni declarados desiertos.

ARTÍCULO DÉCIMO QUINTO

La inscripción en el 32 Salón Nacional de Arte Aragua
implica el acatamiento de las presentes bases.

ARTÍCULO DÉCIMO SEXTO

Lo no previsto en estas bases será resuelto por el Comité
Organizador.

DIDALCO BOLÍVAR GRATEROL

Gobernador del estado Aragua

MARÍA CAROLINA CARABAÑO ZAMBRANO

Presidenta Fundación Museo de Arte Contemporáneo de Maracay

Mario Abreu y
Directora Ejecutiva del 32 Salón Nacional de Arte Aragua


IAIME

Gobierno

Museo de Arte Contemporáneo Mario Abreu de Maracay

buhoneros del arte....

enrique enriquez... y su poesia de la mente

Roberto Mata - De Facto Fotografia Profesional - Av. Trieste con Av. Madrid, arriba de Frigorífico Rey de la California, California Sur. Caracas +58 212-257.9745 / +58 212-256.2587. 9:00am - 12:00m / 2:00pm - 6:00pm. http://www.robertomata.com
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Yosmary Delgado: Papelón con Limón
Zeitan : Cronicas de Zeitan

Estos son hasta ahora quienes han manifestado asistir al BlogStock, hay muchos bloggers que no los veo y estoy seguro que van asistir, por favor informenlo cuanto antes sea posible que se van a hacer los carnets de entrada.

* (Posible Bloguero Impostor, en proceso de verificación)

la columna escrita de fito paez

pequeñas barbaridades
Iluminados y eternos
Astor Piazzolla y Antonio Carlos Jobim investigaron la música tradicional y la contemporánea para renovar las formas populares de las cuales fueron hijos dilectos: el tango y la bossa nova. En esa fusión radica la modernidad de su legado
Sábado 11 de agosto de 2007 | Publicado en la Edición impresa

Por Fito Páez
Para LA NACION -- Buenos Aires, 2007

Astor Piazzolla formó parte junto con Antonio Carlos Jobim de una de las más extraordinarias revoluciones producidas en la música americana en el siglo pasado. Eruditos y populares, entreveraron todo con alegría, genio y astucia, pero sobre todo sin miedos. ¿Cuál sería hoy el público de estos artistas? La flamante Edición crítica: Antología , que recoge piezas de Astor Piazzolla, invita a reflexionar, en tiempos de música globalizada, acerca de la paradójica situación a la que se someten estas obras, de una vigencia artística sin parangón en el Cono Sur.

En primer lugar, ambos arrancan de cuajo el concepto de "pureza", término utilizado en infinidad de debates en diferentes ámbitos y de maneras estériles. Piazzolla y Jobim se animan, o la época los anima, a expandir el lenguaje musical más que a condenarlo a vivir en uno u otro barrio.

La academia y la calle

Piazzolla y Jobim nos recuerdan que la academia tiene una dirección exacta en alguna calle de alguna localidad del mundo, y que entonces habrá que dirigirse a ella a fin de aprender algo sobre la expresión musical. No es una tarea sencilla. Además del deseo íntimo de aprender, son propietarios de espíritus incorregibles a la hora de la invención. No hace falta más que recordar la acusación de "americanizar" la música brasilera que lanzó contra Jobim cierto conservadurismo en ocasión de su encuentro con Sinatra; o rememorar el exilio moral al que fue sometido Piazzolla por parte de una pléyade tanguera ávida de falsos purismos. Cabe recordar, además, que el tango también es una música de fusión, así como la bossa nova. Y que dos obras fundamentales y contemporáneas, como Matita Pere y Libertango, son probada muestra de los alcances del genio musical de estos dos compositores.

Ahora bien, la idea o, mejor dicho, el ejercicio de la resistencia se manifiesta en todas las voces protagonistas de este fenómeno. Por un lado, la resistencia de la tradición a que se incorporen nuevas formas para enriquecerla habla de una lucha sobre la cual el tiempo, siempre, termina dando el último veredicto. El tiempo reduce el reclamo a un rezongo de un abuelo gagá ante la impertinencia de su desmesurado nieto que no atiende razones: el sonido del corazón de ese nieto, más la información del pasado, que posee ya sea por ósmosis cultural o estudio, le dan razones vitales para hacer bochinches sin pedir permiso. Y ese es el sonido de la otra resistencia: la juventud impetuosa que avanza pensando que está fundando el mundo, actitud tan de moda en la Argentina de los últimos veinte años.

Bien, no es ese el caso de Piazzolla ni de Jobim. Por el contrario, sus obras fundan una nueva forma de vincularse con la tradición y la modernidad en pleno siglo XX. Entienden que el mundo va muy rápido, que el jazz lo inunda todo y que los compositores franceses (Ravel, Debussy y Satie) expanden la idea de la improvisación; conocen la Europa entera, se meten con la música contemporánea, la estudian, la investigan y finalmente terminan ubicando en el centro de la escena las formas populares de las cuales son hijos directos: el samba y el tango. Jobim, musicalizando a João Guimarães Rosa, acompañado por Vinicius de Moraes y más tarde por su favorito de la próxima generación, el gran Chico Buarque de Hollanda; Astor, musicalizando a Borges, acompañado por Horacio Ferrer y escribiendo inolvidables arreglos de tangos emblemáticos para textos de Homero Manzi, Homero Expósito o Enrique Santos Discépolo, cantados por intérpretes de la talla de Roberto Goyeneche, José Angel Trelles o Héctor de Rosas. Son gestos que hablan a las claras del compromiso que los unía con la historia escrita a través de canciones de sus respectivos lugares de origen.

Ahora bien, la resistencia que ejercen Piazzolla y Jobim contra un mundo que hace fuerza para que las cosas no se muevan es estética, moral y hasta política. Habla de una comprensión total de la experiencia existencial, donde todo puede ser y suceder, siempre y cuando la resultante termine ejerciendo un poder liberador tanto sobre el hecho lúdico de la invención de la obra para el compositor como para el imaginario del posible escucha.

Parecen ideas nuevas. No lo son. La música y las palabras conllevan desde siempre el delirante espíritu humano, más allá de los chauvinismos de turno y de las falsas puestas en escena de la mercadotecnia musical actual, que intenta hacernos creer que las especificidades no existen en favor de una globalización que anestesia, paraliza y les llena los bolsillos a unos pocos. La música y las palabras son herramientas de expresión y liberación de todo lo que maravilla y oprime. Salud, entonces, por la obra de estos chamanes-artistas que alumbran para siempre América y el mundo.

tocar fuego estara presente en el gourmand world cookbook awards 2007

Les envío el boletín de inscripción de los Gourmand World Cookbook Awards 2007 que nosotros organizamos.

Nos gustaría que el libro “Tocar Fuego”, 45 recetas de puño y letra publicado por ustedes participase en nuestro concurso de Los Mejores Libros del Mundo de Cocina y Vinos.

En los Premios Gourmand pueden concursar todos aquellos libros de cocina y vinos publicados entre el 1 de noviembre de 2006 y el 30 de noviembre de 2007 pudiendo ustedes además enviar cualquier otro libro que haya sido publicado en estas fechas.

Para participar solo es necesario que nos envíen tres ejemplares a nuestra oficina.

Esperando poder contar con su valiosa colaboración, reciban un cordial saludo.

Edouard Cointreau

Gourmand

Pintor Rosales, 50-4º C

28008 Madrid

Tel.: 91 541 67 68

Fax: 91 541 68 21

e-mail: icrlatino@virtualsw.es

www.cookbookfair.com

exposicion de carlos medina en coro...

Con su exposición itinerante de esculturas en papel
CARLOS MEDINA EN EL MUSEO DE CORO


Luego de haber sido inaugurada en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, llega al Museo de Arte de Coro la muestra “Papeles y esculturas” del escultor Carlos Medina, la cual abre su petas al público este sábado 11 de agosto a las 6.00 pm y hasta el 21 de septiembre de 2007.

Esta selección de obras representan una manifestación didáctica en la cual el artista transporta estas piezas desde el acero hacia papel, desde formatos grandes y medianos hasta estas íntimas y esenciales creaciones.

Adicionalmente podremos apreciar una importante un trabajo que el artista ha venido desarrollando desde hace más de 12 años: las Gotas. A través de propuestas de gran escala tanto para proyectos urbanos, como para representar a Venezuela en la Bienal de Venecia, así como piezas que se manifiestan en pequeño y mediano formato desvaneciendo las bases hasta instalaciones que se presentan en manifestaciones casi espaciales, de chorros, de lloviznas… este aporte de Medina, estará también presente en el museo a través de una de sus instalaciones.

El artista recién finaliza su participación en el Primer Simposio de Escultura realizado en Margarita, en el cual ofrenda una de su “Hojas”, hojas urbanas de más de 5 metros de altura, la cual será instalada próximamente entre las de 21 escultores que participaron en este evento.

otras fotografias de Cristóbal Herrera Ulashkevich

concurso de fotografia, "la ciudad como tema"

Bases del Concurso
Tema: “La Ciudad como Tema”, desarrollo de la imagen a partir de lo urbano.

Participantes:

Podrá participar cualquier aficionado a la fotografía (no profesional), residenciado en la República Bolivariana de Venezuela. Quedan excluidos los miembros del jurado, empleados y familiares directos de los organizadores y auspiciantes.

Especificaciones técnicas:

1. Se presentará un máximo de 3 obras por autor. Aquellos que excedan las 3 fotografías serán descalificados. Si desea participar con una serie solo podrá hacerlo con un montaje o pieza, de acuerdo a las características establecidas en el punto numero 5.

2. Habrá una categoría única a evaluar: La imagen.

3. Se aceptarán obras en color, blanco y negro, intervención digital.

4. Las obras deberán ser presentadas vía web, a través de la página www.efotodigital.com en el site desarrollado para el concurso.

5. Las caracteristicas de la obra para poder ser enviada a traves del servidor son:
Tamaño: 20x25cm,
Resolución: 300 dpi
Modo: RGB
Formato: JPG.

Si la obra no cumple con estos requisitos , y de ser seleccionada para exposición o premio, quedara descalificada.

6. No se aceptarán obras impresas.

7. Las fotografías participantes deberán ser originales y no haber sido premiadas en otro concurso.

8. Las fotografías premiadas quedarán bajo la custodia del Servicio Autónomo de Arte y Cultura de la Alcaldía de Baruta. Los organizadores se reservan el derecho de utilizarlas en cualquier formato posible y sin límite de tiempo, mencionándose en todos los casos la autoría.

9. La participación en este concurso implica la autorización del uso de la obra con fines culturales.

10. El fallo del jurado será inapelable.

11. La participación en el concurso implica la conformidad con las presentes bases.

12. Cualquier circunstancia no prevista dentro de las bases de participación será resuelta por los organizadores y el jurado.

Cronograma

Recepción de fotografías: 26 de junio al 24 de agosto
Selección de fotografías: 27 al 31 de agosto
Apertura de galería web: 31 de agosto

Evaluación por jurado abierto y premiación: martes 2 de octubre

Inauguración exposición: martes 2 de octubre

Jornada de fotografía: por definir
Jurado de Selección:
Nelson Garrido
Carlos Trujillo

Jurado de Premiación:
Ricardo Jiménez (fotógrafo, docente)
Enio Escauriza (sociólogo, docente, creador de “Poetas en Tránsito”)
Alexis Pérez Luna (fotógrafo, docente)

Veredicto
Modalidad: Jurado abierto / sin derecho a palabra. La evaluación y premiación de las obras será en presencia de los participantes.

"CINCO SENTIDOS EN ACCION" TOCA A FOTOGRAFOS Y EMBAJADORAS DE LA SORDOCEGUERA PARA PROXIMO CALENDARIO SOCIEVEN 2008

"CINCO SENTIDOS EN ACCION" TOCA A FOTOGRAFOS Y EMBAJADORAS DE LA SORDOCEGUERA PARA PROXIMO CALENDARIO SOCIEVEN 2008




www.cincosentidosenaccion.blogspot.com




Los días 2, 6, 7, 14, 21 y 28 de agosto SOCIEVEN, Sordociegos de Venezuela, junto con Tactus Producciones, Expresarte y Ferrari Maserati, quienes apoyan a esta fundación como parte de su responsabilidad social empresarial, invitan cordialmente a los medios de comunicación a ser público activo de las sesiones fotográficas de la actividad CINCO SENTIDOS EN ACCION-edición fotógrafos y así ayudarnos en la divulgación de esta actividad y su producto final: Calendario SOCIEVEN 2008, el cual será lanzado en octubre con la idea de concientizar sobre la sordoceguera, discapacidad aún poco entendida.



Fotógrafos invitados:

Alfonso Zapata, Angel Rodríguez, Anibal Mestre, Leo Alvarez, Mauricio Salazar y Ricardo Peña. Asesor de proyecto: Roberto Mata



Embajadoras invitadas:

Ana Karina Manco (Actriz), Anabella Troconis (Actriz), Federica Guzmán (Animadora), Johanna Morales (Actriz), Lilian Tintori (Animadora), Mirela Mendoza (Actriz), Paula Quinteros (Comunicados social), Rebeca Alemán (Actriz), Siudy Garrido (Bailaora), Sandra Villanueva y Vanesa Pereti (Miss Internacional y persona sorda).



Maquilladores invitados:

Reinaldo Sandoval y Ronald Perozo.



Locaciones:

Quinta Versalles de San Bernardino, Concesionario Ferrari Maserati, Jardín Botánico de la UCV, Plaza Alfredo Sadel y Qta. Country Club.



Cinco Sentidos en Acción es una actividad que viene realizando Tactus Producciones a beneficio de SOCIEVEN desde 2006, la cual busca generar experiencias artísticas entre personas sordociegas y distintos artistas (plásticos, actores, músicos, DJ, fotógrafos, diseñadores) para así encontrar una comunicación y dialogo en común entre ellos a través de los sentidos, especialmente el tacto, gusto y olfato, sentidos mas importantes de las personas sordociegas.



En esta edición, bajo la iniciativa de Ferrari Maserati, invitamos a seis fotógrafos a captar cada uno, la experiencia de una persona sordociega guiada por una mediadora (embajadoras artistas de la sordoceguera), entrando en contacto directo con un carro Ferrari Maserati, los cuales por su comfort y ergonomía brindan un regalo sensorial y de asociación para la persona sordociega. El lente de la cámara descubrirá cómo disfrutan descubriendo este objeto de uso cotidiano.



Amarilys Sánchez, Anthony Sánchez, Arianna Pirone, Carlos Enrique Suárez, Franneidys Pantoja, Gabriel Vásquez, Kamila Gonzáles, Kelly Miranda, Lennis y Fanny Vivas, Nico Terán, Oscar Acevedo y William Berríos son las personas sordociegas invitadas y protagonistas de esta experiencia.



El producto: 12 fotografías, 12 meses, un calendario que plasmará la vida de una persona sordociega, mostrando una metáfora de la realidad de su discapacidad y es la necesidad constante de un mediador que les interprete y les guíe a descubrir el mundo como lo conocemos nosotros. La foto grafica su comunicación a través de los sentidos y su relación con los objetos, en este caso carros altamente sensibles, sus múltiples funciones los ayudan a asociar con facilidad los usos de sus accesorios: si le das a un botón se calienta los asientos, si le das a una manija se mueven los parabrisas con suavidad o con rapidez, si le das a la llave se prende el motor, el aire sale frío o sale caliente, el olor de los asientos de cuero, la fuerza y sutileza del arranque, asociaciones elementales para nosotros, que ellos descubrirán con la ayuda de sus mediadoras. Expresarte Estación Creativa ha donado sus servicios para el diseño de este calendario.



A su vez nosotros descubriremos y entenderemos a la persona sordociega. Ellos se convierten en ejemplo de experiencia de vida.



Este calendario busca concientizar visualmente no solo con las fotos, sino con mensajes que llevarán cada mes sobre la sordoceguera, sus tipos, causas, prevención, maneras de abordaje, tipos de rehabilitación y educación, como parte importante de la campaña de SOCIEVEN "Dar a Conocer la Sordoceguera".



Cada mes contará con un patrocinante distinto, los cuales iremos revelando a lo largo del proyecto, mientras se vayan sumando. Invitamos a empresas y organizaciones que se unan a este esfuerzo. Por ahora contamos con el apoyo de Ferrari Maserati, Tactus Producciones, Expresarte y JVG Electrónica. También invitamos a tiendas que se unan a lo largo del país en la red de distribución una vez se lance el calendario en octubre de 2007 para su venta.



www.cincosentidosenaccion.blogspot.com





CONTACTOS:



Coordinadora de Proyecto y Medios: Para mayor información o entrevistas favor comunicarse con Valentina Camacho al 0414.3259320 , calendario2008@gmail.com valentinaca@yahoo.com, www.tactuspro.com



Producción general y patrocinio: Para información de patrocinio, favor comunicarse con Anabella Troconis 0414.2513892, tactuspro@gmail.com, www.tactuspro.com



Para ahondar en el tema de la sordoceguera www.socieven.org 9911725, 9911037.



CINCO SENTIDOS EN ACCION: El tacto, gusto y olfato de la persona sordociega, el oído y la vista del artista.


Atentamente,

Anabella Troconis Neri
Productora Ejecutiva
TACTUS PRODUCCIONES
0212.8399885 / 0414.2513892
www.tactuspro.com

el fotografo cubano que indigno al capo castro...

El fotografo que indignò a Fidel
Publicado en Al Día

Esta es la crónica de Cristóbal Herrera Ulashkevich, quien con
su cámara puso en evidencia el inicio de las debilidadesfísicas y mentales de Fidel Castro y cuyas imágenesrecorrieron el mundo, ganándose la “expulsión”de la isla que lo vio nacer hace 36 años.Aún cuando colegas le aconsejaron y fuera advertido desde el mismo régimen, Cristóbal Herrera Ulashkevich, un foto reportero con vasta experiencia profesional en trabajos para diversas publicaciones del gobierno cubano, reconoce que a la hora de transmitir al mundo sus polémicas fotos de Fidel Castro, pensó más en el orgullo del trabajo ejecutado que en su instinto de conservación.

Las imágenes que capturó, en labores como fotógrafo para Associated Press (AP), son cruciales e “inauguran” la etapa del declive del gobernante cubano: la primera fue del desmayo que sufriera mientras daba un discurso en un acto de masas en el municipio habanero del Cotorro en junio del 2001, y la otra, no menos impactante, su estrepitosa caída en la Plaza Che Guevara de Santa Clara, en octubre del 2004.

Estas fotos aparecieron, pocas horas después de tomadas, en las principales planas de los medios de todo el mundo, dándole un reconocido crédito al trabajo de Herrera Ulashkevich pero también colocándolo como desterrado del país donde nació.

El periodista Wilfredo Cancio Isla, de El Miami Herald lo entrevistó, “estoy condenado forzosamente al destierro” dijo Herrera, “el gobierno cubano me impidió regresar al país sin ofrecer explicaciones”. El fotógrafo vive en Miami con su esposa luego de viajar desde Costa Rica a México para cruzar la frontera y solicitar asilo político en suelo norteamericano: “No nos quedaba otra opción, este es el precio de hacer fotoperiodismo en Cuba”, dijo el “gráfico” quien se radicó en Florida junto a su esposa e hija de dos años, Victoria.

Historias mínimas de la fotografía en Cuba

La mayor parte de su carrera, Cristóbal Herrera Ulashkevich la pasó trabajando en Cuba, su último trabajo fue en la legendaria revista Bohemia de la que era fotógrafo, al tiempo tuvo la oportunidad de viajar a Ámsterdam, Holanda; para asistir a un taller internacional de jóvenes fotógrafos y que auspiciaba la organización World Press Photo (WPP), a raíz de este taller su trabajo fue conocido y en el año 2000 fue contratado por AP – La Habana, ahora sí que se conocerían sus fotografías.

Su primer trabajo con AP fue la cobertura del caso del niño balsero Elián González. Fue enviado a Cárdenas, ciudad natal del niño y desde allí realizó un interesante trabajo sobre la vida cotidiana del niño que desató una batalla legal y política entre Washington, La Habana y la comunidad exiliada de Miami.

Gracias a su desempeño, Herrera fue designado para cubrir actos públicos con la presencia de Fidel Castro, en estas andadas llegó el día en el Cotorro de la tribuna abierta, a pleno sol.

Herrera cree importantísimo el hecho de que estrenase cámara fotográfica ese día, cuestión que lo motivó a estar muy atento y activo en la cobertura del hecho.

Herrera le cuenta a Cancio que “cuando (Castro) llevaba como tres horas hablando, le acerco el foco y veo que tiene la cara muy roja, sudando mucho, y empieza a desafinarse, como apagándose”, recordó. “Entonces alerté a José Goitía, compañero fotógrafo de la AP) que el tipo se iba del aire de un momento a otro”.

Ese momento llegó y Herrera lo capturó.

Un reportero de la AFP se acercó para recomendarle que no enviara la foto “por el bien de su familia”, mientras que su compañero Goitía dejó a su conciencia esa responsabilidad. “Fue un momento muy tenso” indicó, “la generalidad de los casos es que los corresponsales entran por el aro y siguen la recomendación de los segurosos, pero en esta ocasión les tocó un joven medio loco y romántico, con más orgullo profesional que cordura”.

Tan sólo una hora transcurrió para que la fotografía estuviese en los espacios noticiosos del mundo.

“Cuando pasé la foto, le dije a la gente de AP en Nueva York que si ocurría algo me consiguieran una plaza en Serbia o Afganistán” ironizó. “Fue una suerte que antes había pasado unas cinco fotos del desmayo para la laptop, pues cuando llegamos a nuestras oficinas en La Habana, misteriosamente las computadoras borraron las tarjetas… Creo que perdí como 600 fotos que tiré ese día”.

Como era de esperarse, el equipo de seguridad del presidente cubano y las autoridades del Centro Internacional de Prensa (CIP) reforzaron los controles sobre los corresponsales de agencias extranjeras acreditadas en la isla. Por otro lado las agencias internacionales comenzaron a seguir con mayor delicadeza la salud del anciano de verde oliva, cuya salud mostraba ya señales obvias de deterioro.

Entre las “precauciones” tomadas por el CIP estuvo el hecho de que comenzaron a retrasar 10 segundos la salida de las transmisiones televisivas en vivo –en las que se incluía Castro.

El cerco de seguridad se hizo más hostil hacia la prensa extranjera.

Herrera comenta que en otras dos ocasiones, en el Palacio de las Convenciones de La Habana, el gobernante cubano tropezó en escalones, pero contando con la ayuda permanente de un guardia personal que lo sujetaba y no lo dejaba caer cada vez que subía o bajaba una escalera.

“Cuando se produce el acto en Santa Clara, la mayoría de los fotógrafos se fueron a transmitir las imágenes a sus agencias tan pronto terminó el discurso.

Teníamos poco espacio y estábamos muy mal situados, pero yo me quedé a esperar que bajara de la tarima y de pronto el hombre se me desaparece del visor… Ya estaba tirado en el piso”.

Sólo otros dos fotógrafos lograron imágenes de la caída: un fotógrafo veterano de la prensa oficial, y el fotorreportero de una agencia extranjera, quien consultó con la Seguridad del Estado si podía transmitirlas.

“La Seguridad se me tiró encima, pero yo les dije que tenía algo fuera de foco, nada que sirviera”, esta salida clásica de los foto periodistas en conflicto lo libró de los guardias, recuerda que “me quedé sin moverme del lugar para no despertar sospechas y cuando nos íbamos, logré transmitir con la laptop desde un matorral, a 50 metros entre el monumento al Che Guevara y el parqueo. Goitía me protegió simulando que orinaba, mientras yo, agachado, ponía la foto en un attachment (archivo adjunto) para enviarla por correo electrónico cuando llegara a La Habana”.

La osadía puso fin a las coberturas de Herrera en los eventos de alto nivel, profundizando la apatía hacia el discurso oficial que ya venía naciendo en Herrera: “En esos cuatro años me convertí en un desafecto del régimen”, confesó. “No resistía ni a Fidel Castro ni a Hugo Chávez; los discursos me parecían una burla a la inteligencia de la gente, y estar frente a (el canciller Felipe) Pérez Roque era como asistir a la actuación de un payaso mentiroso.

Comencé a hacer las cosas con oficio, pero no con corazón”.

En diciembre del 2004, cumpliendo una asignación relacionada con la disidencia interna, dos hombres se le acercaron identificándolo por su nombre y le sugirieron que debía tomar unas vacaciones fuera del país. “Estaba claro que no me querían allí y que no tenía otra alternativa que irme. Los papeles y los trámites se solucionaron de inmediato, lo que dejaba aún más claro de dónde venía la orden”

nueva expo de fotografias...

la invitacion formal a la cata en circulo restaurante...