platófotográfico

Primer taller de fotografia en panamá

2011-07-08T08:43:00.001-07:00

Primer taller de fotografia para camaras compactas, los dias martes 6 y jueves 8 de septiembre de 2011 de 6:30pm a 8:30pm, inversion 100$... llamanos o escribenos para reservar tu cupo!!!

RICHARD AVEDON

2011-06-06T13:50:00.000-07:00

Richard Avedon

Audrey Hepburn

Veruschka von Lehndorff

Diana Vreeland, Dovima and Richard Avedon

Twiggy, Andy Warhol

Nastassja Kinski

Sophia Loren

Isabella Rossellini

Ingrid Boulting

Patti Smith

Marella Agnelli

Veruschka von Lehndorff

Liz Pringle

Stephanie Seymour

Patti Hansen

Sunny Hartnett

Marilyn Monroe

John Ford

Alberto Giacometti

Bob Dylan

Cleve Gray

Dwight David Eisenhower, Ronald Reagan

Cole Porter

Maya Plisetskaya

Kennedy Family Portrait

John and Jackie Kennedy

Charlie Chaplin

Stephanie Seymour

Rudolf Nureyev

Mikhail Baryshnikov

William S. Burroughs

Audrey Hepburn with Mel Ferrer

Truman Capote

Coco Chanel

Richard Avedon at the Marlborogh Gallery

Richard Avedon by Annie Leibovitz

la proxima exposicion de carlos medina...

2011-05-19T20:28:00.001-07:00

luis brito inaugura hoy en bogota en el marco del evento internacional FOTOGRAFICA BOGOTA 2011

2011-05-11T08:06:00.001-07:00

1era bienal internacional de fotografia artistica contemporanea....

2011-04-16T10:29:00.001-07:00

http://www.bienal-fotografia-ecuador.blogspot.com/

a proposito de la visita de Walter Astrada....

2011-02-20T15:15:00.000-08:00

a proposito de la visita de Walter Astrada doble ganador del World Press Photo Award, quien pisa nuestra tierra por invitación de La Escuela Foto Arte para dictar sendos talleres de Fotoperiodismo Avanzado en nuestras instalaciones. Veinte fotógrafos (de entre 50 postulados) serán los privilegiados en vivir la experiencia con este representante Internacional de la práctica del fotoperiodismo más actual.

Adicionalmente para nuestros alumnos y amigos, todos tendremos la oportunidad de asistir gratuitamente a una charla que dictará a propósito de su visita, así como disfrutar de su obra y trabajo personal en una exposición muy íntima y un cine foro sobre fotografía de Guerra

Pronto más información! Contacto 0414-3973228/0414-129-47-79

chequea su web http://www.walterastrada.com/

Fallece el cocinero Santi Santamaria en Singapur

2011-02-16T12:00:00.000-08:00

El restaurador, de 53 años, formaba parte de la élite gastronómica con su restaurante El Racò de Can Fabes, con tres estrellas Michelin.- Ha muerto en el local que dirige su hija

ANA PANTALEONI / ROSA RIVAS - Barcelona / Madrid - 16/02/2011

El célebre cocinero catalán Santi Santamaria ha fallecido hoy en el restaurante que posee en Singapur y que dirige su hija. Santamaría, con siete estrellas Michelin, se encontraba en el país asiático por trabajo, según ha confirmado un miembro del restaurante Can Fabes, en Sant Celoni (Barcelona). El cocinero, que nació en 1957 en la localidad barcelonesa de Sant Celoni, formaba parte de la élite de la restauración española con El Racò de Can Fabes, que posee tres estrellas Michelin desde 1994. La primera estrella Michelin la consiguió en 1988. La cocinera catalana Carme Ruscalleda se ha mostrado "hundida, desorientada y triste" ante la noticia de la muerte del cocinero: "Era un hombre convencido de que la cocina del territorio, del país, es importante. Era una persona que creía en el paisaje y en la defensa del producto", ha dicho Ruscalleda. También el consejero de Cultura de la Generalitat, Ferran Mascarell, ha lamentado la muerte del cocinero "en un momento de efervescencia creativa".

Santamaria, propietario de un lujoso restaurante ubicado en la zona de Marina Bay de Singapur llamado Santi, abierto el año pasado, falleció hacia las 20.30 hora local. "Me dijo: 'Me está dando un bajón', y se desplomó", ha contado el periodista Cristino Álvarez, crítico gastronómico de la agencia Efe, que estaba con el cocinero cuando este sufrió el ataque. Álvarez forma parte de un grupo de 350 periodistas internacionales que estos días visitan en Singapur los restaurantes de siete chefs de reconocida fama mundial. "La muerte de Santi es una gran pérdida para la cocina española. Era uno de los mejores cocineros del mundo. Estoy anonadado, impresionado. Le conocía y le trataba desde hacía muchos años", ha dicho Juan Mari Arzak. Por su parte, Pedro Subijana, presidente de la asociación de chefs Eurotoques, ha explicado que "Santi era muy comedor. Esto es un pecado muy típico de los cocineros. Pero nada hacía sospechar que le pasaría esto. Ha sido un mazazo terrible". Subijana espera que "la amalgama de negocios de éxito que había montado no se resienta por la falta de su figura".

La cocina no fue su primera vocación. Santamaria estudió peritaje industrial y solo después se formó como cocinero de manera autodidacta. En 1981 fundó junto con su esposa, Angels, el restaurante El Racó de Can Fabes. Autor de varios libros de cocina, su última obra, La cocina al desnudo, causó polémica porque en ella criticaba la cocina experimental como la de Ferran Adriá. Las críticas de Santamaria se dirigían al uso de elementos químicos sin conocimiento del cliente.

Santi Santamaria ha muerto como vivió, entre comida. Ante una mesa él disfrutaba y quería que los comensales lo hicieran con sus platos. Vehemente y contundente, como su presencia física, en sus declaraciones sobre la cocina contemporánea no siempre daba placer, incluso levantaba ampollas. En el congreso Madrid Fusión llegó a decir: "Los cocineros trabajan por la putapela", a propósito de los chefs mediáticos, entre los que él mismo se encontraba. El exabrupto lo soltó en 2007, cuando la cumbre gastronómica estaba dedicada a las materias primas. En ese y en los siguientes años hubo más y el impacto de sus palabras ocultaba los muchos méritos de su cocina, enraizada en el amor al producto local. Le gustaba hablar (y dar a probar) de los excelentes embutidos artesanos de su suegro. Estaba también atento a las novedades de otros terruños fuera del suyo y en uno de sus últimos artículos en la prensa catalana ponía el foco sobre las bondades de un cerdo japonés.

Según el presidente de Madrid Fusión y crítico gastronómico José Carlos Capel, Santi Santamaria "fue un gran profesional, fiel a un estilo de elegancia clásica, que armonizaba tradición y contemporaneidad a partes iguales. Un gran maestro de la opulencia en su versión más refinada".

Su enfrentamiento frente a la cocina vanguardista de Ferran Adrià, la polémica sobre el uso de aditivos e ingredientes (que él también empleaba en sus platos) llegó a unos niveles similares a la rivalidad musical de Mozart y Salieri.

"Fuera de las discrepancias, hoy es un día muy triste para mí, para todo el equipo de elBulli y para toda la sociedad española, porque ha muerto un gran cocinero", declaró Ferran Adrià.

En los últimos tiempos, la metralla verbal de Santi Santamaria estaba apaciguada. Estaba centrado en sus libros, en su blog y, sobre todo, en la buena marcha de sus restaurantes fuera de España: en Dubái, en Singapur. La cocina de su casa central, Can Fabes (en el pueblo barcelonés de SantCeloni), estaba al mando de Xavier Pellicer.

La órbita Santamaria incluía una línea de alimentos preparados de alta gama, Gourmand Santamaria. En 2001 inauguró sucursal en Madrid, Santceloni, con Óscar Velasco en los fogones. En 2002 inaugura los nuevos espacios de Can Fabes, el Espai Coch, para alargar las sobremesas; el Dins Bar, para copas más confidenciales. En 2006 abrió el espectacular restaurante Evo, un ovni de cristal en la cima del hotel Hesperia Tower. En 2008 abrió Ossiano en la isla artificial The Palm, en Dubai. En total siete estrellas por su trabajo (tres en el Racó de Can Fabes, dos por el Sant Celoni de Madrid, una por el Evo de Barcelona y otra el Tierra de Torrico en Toledo). En 2010 inauguró Santi en Marina Bay Sands de Singapur, el establecimiento en el que ha muerto.

La Habana Vieja por Steve McCurrys

2011-02-13T19:11:00.000-08:00

La Habana Vieja

http://stevemccurry.wordpress.com/2011/01/07/viejo-habana/

A World Heritage Site since 1982, Old Havana is a fascinating mix of Baroque, neoclassical monuments, Art Nouveau, and Art Deco architecture interspersed with private homes decorated with balconies, wrought-iron gates, and inside courtyards.

Havana was founded in 1519 by the Spanish, and became an important harbor for Spanish galleons as they plied the seas from the Old World to the New World.

The city suffered little damage in the country’s wars and revolutions, and stands today much as it was built 100 years ago except for decay and neglect combined with damage from the degenerative effects of the tropical salt-air climate. Hurricane Ike battered Havana in 2008 which caused extensive damage to some of the colonial buildings.

Cuba was a major importer of American cars until the Revolution in 1959, when many wealthy Cubans left the country and their cars behind. To keep these ancient cars running for fifty years requires loving care and skill that would be difficult to find anywhere else.

Eusebio Leal, the city’s historian, has played a major role in preservation activities in Old Havana. In 1994, Leal created Habaguanex, a joint venture-for-profit-firm. It operates by generating hard currency through tourism and related services in Habana Vieja and then uses these funds for historic preservation and the development of community projects.

I was in Cuba for only a week in 2010, and am looking forward to going back to capture many more people and places.

la primera individual de francisco....

2011-02-01T19:04:00.001-08:00

cliquea en la imagen para que se amplie

el fin de una era de 1935 hasta 2010...

2011-01-05T14:46:00.000-08:00

Rabari Magician

Today is the day that Dwayne’s Photo in Parsons, Kansas, the last lab on the planet to process Kodachrome, stops developing the iconic film forever. When Kodak stopped producing the film last year, they gave me the last roll. When I finished shooting the final frames, I hand-delivered it to Parsons. Here are a few of those last 36 frames.

Actor Robert De Niro in his screening room in Tribeca, NYC

Grand Central Terminal, New York, one of the most important and beloved architectural icons in the city

Kodachrome was my mainstay film, the film I used for 30 years.

Rabari Girl

Rabari Woman

I have about 800,000 Kodachrome transparencies in my archive. It was probably the greatest film ever made.

Turkish photographer Ara Guler, nicknamed “The Eye of Istanbul” is the dean of Turkish Photographers and a friend of the late Henri Cartier-Bresson

Amitabh Bachchan, the most prominent actor in the history of Indian cinema

Elliot Erwitt, Magnum Photographer, known for his wit and whimsical humor, photographed in his studio, Central Park West, NYC

I shot the final frame in a cemetery in Parsons, Kansas

Kodachrome
They give us those nice bright colors
They give us the greens of summers
Makes you think all the world’s a sunny day, Oh yeah

- Paul Simon

tomado de
http://stevemccurry.wordpress.com/2010/12/30/the-end-of-an-era-1935-to-2010/

La niñera reportera Por: Antonio Espejo

2011-01-05T13:47:00.000-08:00

La historia está llena de casualidades, de situaciones especiales que sacar a la luz cosas que de otra forma se perderían para siempre. Algo así ha pasado con la fotógrafa Vivian Maier, una refugiada judía francesa, nacida el 1 de febrero de 1926 y que llegó a Estados Unidos en la posguerra, en la década de 1950. Probablemente llegó a Nueva York, ya que hay fotografías suyas de esa época de esta ciudad, y posteriormente se trasladó a Chicago hasta su muerte, el 21 de abril de 2009.

La historia comienza en 2007, cuando un agente literario aficionado a las antigüedades y a la fotografía, John Maloof, asiste a una subasta de muebles y objetos antiguos. Por 400 dólares compra un lote de esas cajas típicas para guardar cosas en el trastero, con su contenido incluido. Se subastaban junto con otras pertenencias del mismo dueño, ya que no pagaba el alquiler y nadie se presentaba a reclamarlas. Una práctica muy común en los EE.UU.

 
Maloof se encontró con la sorpresa de una caja con 30.000 negativos y carretes aún sin revelar. Empezó entonces un estudio minucioso de los negativos y, al comprobar la calidad de las imágenes, decidió comprar el resto de cajas. Con lo que ha logrado reunir cerca de 100.000 negativos y entre 20.000 y 30.000 fotografías que todavía estaban en sus rollos. Las mayoría de las imágenes han sido captadas en Chicago en los años 60 y 70 por una niñera llamada Vivian Maier, y a a vista de su calidad, está convirtiéndose en una de las fotógrafas callejeras más grandes del siglo 20.

Maier no era francesa, aunque hablaba con acento francés. Según su certificado de nacimiento, que Maloof encontró entre sus cosas, Vivian Dorothy Maier nació en Nueva York el 1 de febrero de 1926, hija de la francesa María Jaussaud y el austriaco Charles Maier. Maier y su madre volvieron a Francia durante algunos años, pero no se sabe donde residían. El 16 de abril de 1951, a los 25 años, Maier subió a un barco en Le Havre y llegó a Nueva York diez días después. Allí pasó cinco años haciendo fotografías y probablemente ganándose la vida como niñera. De 1956 hasta 1972, Maier habría vivido con Avron y Gensburg Nancy en Highland Park, en la costa norte de Chicago, como niñera de sus tres hijos: John, Lane y Matthew. A los que un detective privado localizó gracias a que fueron ellos los que pusieron la esquela de su muerte.

La autoría de los negativos también fue fruto de la casualidad. Un año después de la compra, revisando uno de los cajones, Maloof encontró un sobre de un laboratorio fotográfico y garabateado a lápiz el nombre de Vivian Maier. Buscó en Google quién era, pero lo único que encontró fue su esquela en el Chicago Tribune, pues había fallecido unos días antes del hallazgo.

En su honor John Maloof ha creado el blog Vivianmaier.blogspot.com, y otro coleccionista muy interesado en ella, Jeff Goldstein, ha logrado reunir más de 12.000 originales, algunos de ellos aparecen en vivianmaierphotography.com.

Si quieren participar en el proyecto de un documental, un libro y en la compra de originales a través de Kickstarter, vayan a esta dirección:

http://www.kickstarter.com/projects/800508197/finding-vivian-maier-a-feature-length-documentary

tomado de:

http://blogs.elpais.com/apunta-dispara/2011/01/la-ninera-reportera.html#more

leo matíz... fotógrafo de la modernidad....

2010-11-23T05:02:00.000-08:00

Maestros de la fotografía

2010-11-11T20:53:00.001-08:00

Maestros de la fotografía

'Vanity Fair' trae a España las mejores imágenes de sus 100 años de existencia

M. GALAZ - Madrid - 11/11/2010

Cien años y cien fotos. Así celebra la revista Vanity Fair su aniversario. Una exposición itinerante llega a Madrid con las mejores imágenes de la historia de la publicación. Una muestra que se abrirá el 16 de noviembre en Ivorypress Art + Books Space y que se podrá ver hasta el 8 de enero.

Vanity Fair siempre ha cuidado de manera especial sus fotografías y por eso ha contado con los más grandes de la imagen para sus trabajos. En la exposición se podrán ver, por ejemplo, retratos de Edward Steichen a las míticas actrices Gloria Swanson, Greta Garbo y Marlene Dietrich o de Annie Leibovitz a Tony Curtis y Jack Lemmon.

Algunos de estos retratos formaron parte de la exposición que ofreció la National Portrait Gallery de Londres en 2008. También se incluyen instantáneas como la que Helmut Newton hizo a la actriz Sigourney Weaver en 1995 o el retrato del actor James Cagney, captado por Imogen Cunningham en 1932.

La exposición también ofrece una mirada al mundo del baile y del musical. Entre ellas está la foto de Maurice Chevalier tomada por Steichen en 1929 o la de Jean Barry de Hoyningen-Huené de 1931.

Y entre las más recientes se podrán ver los retratos que Leibovitz hizo a Penélope Cruz y Pedro Almodóvar en la intimidad de un camerino y la versión que de La ventana indiscreta hicieron en 2008 Scarlett Johansson y Javier Bardem.

"Es una oportunidad única para que determinadas obras de maestros clave de la fotografía del siglo XX y XXI puedan ser vistas en España", ha declarado Elena Ochoa, fundadora de Ivorypress.

¿Cómo obtener mejores resultados de tu cámara digital?

2010-11-04T14:17:00.000-07:00

El mercado de accesorios para cámaras digitales está que revienta. Baterías de repuesto, rápidas tarjetas de memoria, flashes adicionales, lentes y mucho más, y todo le promete más comodidad o mejores fotos. Pero, con tanta oferta ¿qué accesorios valen realmente la pena?.

FLASHES

Un flash adicional ¿produce mejores fotos?

Para cámaras que tienen el ajuste necesario, un flash adicional puede ser útil de muchas maneras.

Primero, ayudará a reducir o eliminar en fotos de personas el efecto “ojos rojos” producido por el flash incorporado en las cámaras. Este efecto, que hace que las pupilas de las personas aparezcan rojas, se produce cuando el flash está demasiado cerca del lente, cosa que ocurre en las cámaras digitales compactas con flash incorporado.

Un flash adicional, que se pone en soporte que para ese efecto llevan las cámaras, está situado más arriba de los lentes de la cámara, y esta distancia suele bastar para reducir o eliminar el efecto de ojos rojos, especialmente si se puede enfocar el flash ligeramente hacia el techo.

Los flashes adicionales suelen ser más potentes que los flashes incorporados. Con esa potencia puede hacer fotos más alejadas del sujeto, manteniendo al mismo tiempo una adecuada iluminación. Se puede hacer también fotografías de grandes grupos de gente, si eso interesa. Y se podrán asimismo hacer fotos en sucesión más rápida, puesto que los flashes adicionales suelen reciclarse más rápidamente que los flashes incorporados.

Es decir, aunque un flash incorporado no le dé por sí mismo mejores fotos, en realidad le permitirá más versatilidad con la cámara y, de paso, al procesar las fotos, le ahorrará el tiempo de corrección del efecto ojos rojos.

FOTOS NÍTIDAS

Un lector nos escribe: me cuesta sostener quieta la cámara y esto me resulta en fotos borrosas. Pero tampoco quiero llevar un trípode a cuestas. ¿Qué se puede hacer?

Las fotos borrosas o movidas son en general producidas no porque usted no pueda sostener la cámara suficientemente quieta para la cantidad de luz en que esté trabajando.

Mientras más luz tenga, menor es la posibilidad de producir fotos movidas. Incluso con un trípode puede acabar con fotos borrosas, aunque éstas serán más bien consecuencia de sujetos en movimiento y no de una cámara inestable.

No obstante, el mantener la cámara lo más quieta posible es la clave para obtener imagines nítidas. Si no quiere usar un trípode, piense en su cuerpo como una de las patas de un trípode, apoyándose contra un objeto sólido al hacer una foto, sujetando contra su pecho el brazo que sostiene la cámara o dejando la cámara sobre un objeto inanimado y usar la función de autodisparo que se encuentra en la mayoría de las cámaras.

Puede también recurrir a la ayuda de la tecnología. Busque cámaras o lentes con estabilización de la imagen (IS) o reducción de la vibración (VR) incorporadas. Esta tecnología funciona para contrarrestar el movimiento de la cámara. Canon y Nikon tienen IS/VR incorporada en sus lentes. Otros fabricantes, como Olympus y Pentax, incorporan IS/VR en el cuerpo mismo de la cámara.

El uso del flash, incluso al aire libre, le permitirá incrementar la cantidad de luz disponible y le ayudará a obtener fotos no movidas. Mientras más luz tenga, más rápido puede abrirse y cerrarse el disparador de su cámara, disminuyendo la posibilidad de que cualquier movimiento pueda estropear la fotografía.

Si la cámara le permite poner manualmente el ajuste del valor ISO, que controla la sensibilidad a la luz del chip principal de la cámara, entonces póngalo en una cifra más alta, como ISO 800 o más. Esto incrementa la cantidad de luz que penetra en la cámara, permitiendo a la máquina elevar la velocidad del disparador y detener el movimiento.

BATERÍAS

Hay en el comercio baterías compatibles que prometen una duración más larga entre cada carga. ¿Es seguro usar una batería de otro fabricante que no sea el de la cámara?

Probablemente es seguro, pero las baterías de otro fabricante pueden presentar otros problemas de los cuales debe estar consciente. Primero, si una batería sufriera un derrame y la cámara resultara dañada, el uso de baterías de otro fabricante podría anular la garantía y tendría usted que pagar la reparación de su propio bolsillo.

Segundo, usuarios de baterías de otro fabricante suelen quejarse de que esas baterías no encajan debidamente. Ello podría traducirse en una reducción de la vida de la batería o que la cámara deje de funcionar como debe.

Advertencias aparte, sin embargo, muchos prefieren baterías de otros fabricantes, fundamentalmente por dos razones: son mucho más baratas que las del fabricante de la cámara y suelen durar más gracias a los constantes avances tecnológicos que los fabricantes de esas baterías aprovechan. Busque un fabricante fiable de baterías de reemplazo y cerciórese de que aceptan devolución en caso de que las baterías funcionen mal o simplemente no funcionen.

MEMORIA

La compra de una tarjeta de memoria más rápida ¿acelerará el tiempo entre dos fotos?

Es muy poco probable que una tarjeta de memoria más rápida haga que su cámara opere lo suficientemente rápido como para reducir su frustración. Incluso en cámaras de alto rendimiento, diseñadas para hacer ocho o más fotos por segundo, una tarjeta de memoria más rápida solo reducirá en milisegundos el tiempo que toma en grabar las imágenes.

Más aún, tarjetas de memoria que prometen velocidades de “300x” o “400x” puede que ni siquiera funcionen en su cámara porque podrían usar una tecnología incompatible. De este modo, averigüe en el sitio web del fabricante qué tarjetas de memoria de qué velocidad respalda la cámara.

Es muy posible, no obstante, que, si la respuesta de su cámara entre fotos y foto es demasiado larga, ello se deba tanto a la electronica de la cámara como a la tarjeta de memoria en sí. Si otorga usted mucha importancia a la velocidad de disparo, entonces busque cámaras digitales capaces de producir al menos tres fotos por segundo.

Por Jay Dougherty
Vía DPA

'Puro cine en la sangre' Luis Ospina, director de películas como ‘Pura sangre’ y ‘Un tigre de papel’ está convencido de que las obras maestras del cin

2010-11-02T12:38:00.000-07:00

el cineasta ganó el Premio Macondo a toda una vida dedicada al séptimo arte

'Puro cine en la sangre'

Por: EL ESPECTADOR

Foto: Luis Ángel - Elespectador.com

Luis Ospina, director de películas como ‘Pura sangre’ y ‘Un tigre de papel’ está convencido de que las obras maestras del cine ya se hicieron.

Luis Ospina, el director artístico del Festival Internacional de Cine en Cali, asegura que le interesa crear historias provocadoras, distantes del espectáculo y el comercio.

¿Qué es lo que tiene Cali que ha dado cineastas tan tercos?

Porque desde chiquitos aprendemos a decir "oiga, vea", que es la esencia del cine.

¿A quién le gusta mamarle gallo?

A los borrachos cansones.

¿Pura sangre o puro cine?

Puro cine en la sangre.

¿Qué tanto pueblo ha agarrado?

Me tienen sin cuidado las estadísticas de mis películas.

¿Qué pasó con Norma Desmond?

De vez en cuando resucita como Drácula. Ella es inmortal.

Al fin, ¿Ojo al cine o Cine al ojo?

La primera era una revista y la segunda una compañía para hacer comerciales que tuve con Mayolo.

¿Cuál es el cine que necesita hacer en este momento?

Un cine cada vez más personal, provocador y a contracorriente, alejado del espectáculo y del comercio.

Usted se mueve con mucha facilidad entre la ficción y la realidad, ¿cuál es su límite entre estas dos líneas?

Hitchcock ya lo dijo: en la ficción el director es un dios y en el documental Dios es el director. Hacer ficción es como ir de cacería. Hacer documental es como ir de pesquería.

¿Qué tan complicado es hacer comedia en el cine?

Hacer reír es cosa seria.

¿A usted qué lo hace reír?

Buster Keaton.

¿Hay algo que lo sonroje?

Debe ser que cada vez soy más vampiro porque ya pocas cosas me hacen ruborizar. O será que he perdido la vergüenza porque antes todo me ruborizaba.

¿Qué tiene Pedro Manrique de usted?

Todos tenemos algo de ese álter-vago.

Como cineasta, ¿a qué lugares le gusta dirigir la mirada?

A todo lo que va a desaparecer.

¿Alguna vez se ha equivocado de ángulo?

Sí, cuando jugaba fútbol.

¿Qué se le quedó en Cali?

Mi alma provinciana.

¿Hoy se puede hablar de cine independiente?

El significado de cine independiente ha degenerado porque se ha vuelto la antesala de Hollywood.

¿Sigue pensando que las obras maestras del cine ya se hicieron?

Sí, porque durante la época del cine clásico había obras maestras perfectas, ahora sólo hay obras maestras imperfectas.

¿Cuál de esas obras le ha robado sueños y lágrimas?

Es falso que el cine sea la fábrica de sueños. Sufro de insomnio desde que hice mi primer largometraje. Todas mis películas desde entonces me han robado los sueños. Las lágrimas sólo me las produce la dura realidad.

¿Cómo lee el lenguaje cinematográfico de hoy?

Con ojos bien abiertos.

Con sus creaciones se hizo a varios hijos, ¿cuál es el más consentido?

Desde que nací prefiero la producción a la reproducción. No tengo hijos; tengo películas. Pero no soy buen padre porque a unas las quiero más que a las otras.

En Colombia la televisión y el cine cuentan generalmente con los mismos actores, ¿afecta esto la calidad de la actuación?

Le da a uno la sensación de que en lugar de estar viendo cine está uno viendo una serie de televisión.

¿En que dejó de creer?

En que la humanidad tiene salvación.

¿Cuál fue el mayor aprendizaje que le dejó Andrés Caicedo?

La subjetividad.

¿Qué significa para usted haber recibido el Premio Macondo a toda una vida dedicado al cine?

Hubiera preferido el Premio Norma Desmond a toda una diva dedicada al cine.

Si el cine ha perdido su misterio, ¿qué lo mantiene aferrado a este lenguaje?

La persistencia de la visión.

¿Por qué desaparecieron los laboratorios de cine del país?

Todos los laboratorios desaparecieron porque dejaron de ser lucrativos. Los únicos laboratorios que prosperan en Colombia son los de cocaína.

¿Es optimista frente al futuro del cine colombiano?

¿Cómo se puede ser optimista en un oficio en que lo más positivo es el negativo?

¿Sigue pensando que no hay un cine colombiano sino películas colombianas?

Como la industria del cine le ha sido siempre esquiva al cine nacional, cada película es un esfuerzo aislado, casi siempre condenado al fracaso económico. Con cada película siempre estamos comenzando de cero.

¿Cuál es el encanto de trabajar con actores naturales?

Que no exigen tanto como los actores profesionales. Estoy de acuerdo con ese bolero que dice: "Que se quede el infinito sin estrellas".

¿Qué le debe al cine?

Creo que es el cine el que está en deuda conmigo.

¿Sin cinco sigue con el bolsillo vacío?

Claro, porque sus miembros son los amigos que le trabajan a uno gratis.

¿En cuál historia quisiera perderse hasta el fondo?

En la vida vivida.

¿Qué tan cuchilla es como profesor?

No soy cuchilla porque lo que más educa es el mal ejemplo.

La última película de cine colombiano que lo conmovió.

La sociedad del semáforo.

CHEPE CUADRA y la Asociación Internacional de Artistas Digitales Mobil

2010-10-29T12:17:00.001-07:00

During the October weekend of the 22^nd to the 25^th I attended a very important event, in Ney York City, organized by iAMDA (international Association of Digital Artists) which philosophy is to promote and support artists who utilize mobile media to create art. It describes it self as ”A organization committed to supporting artists through the development of educational resources, programs, workshops, conferences and promotional events (i.e: group exhibitions)”.

The event took place at TIshITP school of design in lower Manhattan, a lot of conferences around the subject where going on along with presentations- tutorials of apps and developers talking about their apps e.i : Steve Sprang with a talk about his app BRUSHES and the new features soon to come out on the market.

The event was full of activities out of the Tish institute. On Friday night we met at LOLITA bar where all the digital artists made acquaintances, and hung our mobile digital art from the walls, on a very informal way. On Saturday night after a whole day of conferences we went to the MET to the Egyptian temple and drew from 7 pm to 9 pm . after there we went to TIMES Square and did some out door painting, with a monitor connected to one of our many iPads , and it projected in real time the image while it was being created on the iPad. We were about 20 artists each one of us with our own iPod/iPad wireless device painting on plain air. This experience has been the high light of my life as a digital painter. It was UNBELIEVABLE .

Chepe Cuadra

69 Diamond Street

Saint Albans, VT.05478

802-370-2395

chepecuadra@mac.com

www.chepecuadra.com

el primero de noviembre inaugura la expo de CHEPE CUADRA....

2010-10-29T06:00:00.000-07:00

ERNESTO BAZÁN fotógrafo autor de 'BazanCuba' "Fotografío lo más banal, lo obvio y lo anodino"

2010-10-27T04:57:00.000-07:00

El periodista italiano Ernesto Bazán presenta en España el primer libro de su trilogía sobre 14 años de vida en Cuba

ÓSCAR GUTIÉRREZ - Madrid - 26/10/2010

Avisa, lo primero, de que no quiere parecer "un predicador". Y no lo parece pese a que su vida ha sido desde hace 34 años el relato fiel de una "misión". "Todo nace de cómo me hago fotógrafo en Sicilia en 1977" cuenta Ernesto Bazán (Palermo, 1959) unos minutos antes de presentar en Madrid BazanCuba, primer libro de su trilogía fotográfica sobre 14 años de vida en Cuba. "Tuve un sueño en el que aparecían cuatro palabras: 'Tienes que ser fotógrafo". Y lo fue a conciencia. Ex miembro de la selecta agencia Magnum, galardonado con los respetados premios World Press Photo y W. Eugene Smith, entre otros, Bazan ha cumplido con aquella revelación que contó a su padre durante una mañana de ese "Palermo viejo" que recuperó en La Habana con su mirada y el objetivo.

La historia cubana de Bazan, cortada de raíz por el régimen en julio de 2006, es la historia de dos amores. Por lo menos. El primero es el que hizo al fotógrafo amante del blanco y negro enamorarse de la isla. "Cuando llegué a Cuba sentí que estaba en el Palermo donde me había criado" recuerda Bazan con la mirada perdida en la memoria. "Esa extraordinaria vida coral que hay en las calles, ya no se vive ni en España ni en Italia ni en Europa. Cuando encontré todo eso en La Habana me enamoré perdidamente de la isla y de su pueblo". Y dentro de su pueblo, de una mujer, Sissy, con la que vive junto a sus dos gemelos en México. El segundo amor.

La búsqueda de la infancia siciliana

Bazan tomó una cámara por primera vez a los 14 años. Con ella inmortalizó una Sicilia rural, una tierra que hoy recuerda a través de su infancia -"muy feliz a diferencia de la de muchos fotógrafos para los que fue terrible", dice con sorna-, el campo, su padres y primos, su abuela y los paseos por la calle para ir a comprar. Con esos recuerdos son con los que se topó el fotógrafo italiano a su llegada a Cuba en 1992 y por los que se quiso quedar para siempre. Aunque no lo lograse. "En Cuba me di cuenta de que durante toda mi vida fotográfica estaba buscando mi niñez siciliana en el campo". Algo de todo eso hay, no solo en la serie de fotografías tiradas en Cuba, sino también en las que Bazan realizó en Estados Unidos, Perú, México, Brasil...

El libro BazanCuba, presentado en colaboración con la Federación Española de de Asociaciones de Periodistas (FAPE), describe en 118 fotografías en blanco y negro lo que su autor llama la "poesía de nuestra vida cotidiana". Lírica que refleja también la crudeza del Periodo Especial -así lo califico Fidel Castro- que vivió la isla, tiempo de miseria que acentuó la caída de la URSS y que recibió al fotógrafo a su llegada. "Lo que busco desde que empecé -madura sobre la marcha Bazan- es fotografiar lo más banal, lo más obvio, lo anodino". Palabras de tonos grises que, sin embargo, sugieren a lo largo de las páginas vida, música, calle, imaginación, pena, dolor, belleza, sensualidad, naturalidad... Imágenes que Bazan ya no puede ver con sus propios ojos desde que el régimen le pidiera hace cuatro años salir del país por impartir talleres de periodismo.

El año próximo, precisamente con la ayuda de los alumnos de sus clases, Bazan publicará Al campo, segundo libro dedicado a la isla caribeña en la que todavía sospecha que se crió durante otra vida.

SEBASTIÃO SALGADO "¿El secreto de una foto? Sí, hay uno: la dedicación"

2010-10-09T08:51:00.000-07:00

ÓSCAR GUTIÉRREZ 08/10/2010

Hablamos de fotografía. No de lentes, diafragmas o iluminación. Conversamos de lo que se mueve alrededor del encuadre y hacia la imaginación. El fotógrafo brasileño Sebastião Salgado (Aimorés, 1944) elige para el primer café del día una mesa junto al ventanal del literario Café Gijón. Lleva la vista a través del cristal mientras habla de ideología, fotografía y vida. Tres en una. Y regresa al café, a la tierra, cuando ve sobre la mesa lo que cariacontecido describe con un largo "fabuloso": un pan con aceite, tomate y ajo. "Adoraba el ajo, pero por una infección en África que me modificó el metabolismo no puedo probarlo". Será un cruasán.

Después de tres décadas, el fotógrafo brasileño vive la transición a lo digital

Lo manosea y desmenuza hasta que se confiesa desganado y resfriado por quedarse dormido en una sesión de acupuntura en Papúa Nueva Guinea. Ahí queríamos llegar. Es su nuevo proyecto: Génesis. "La idea", dice dibujando en el aire como si rellenase un pentagrama, "es demostrar que una mitad del planeta está como en el día del génesis y que tenemos que intentar preservarlo para vivir tranquilos".

Cercano e ilusionado, Salgado, premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1998 y de paso por Madrid para recoger el galardón que le concede Save the Children, ha dado un giro más de tuerca a su carrera.

El fotógrafo brasileño comenzó hace cinco años a retratar a los "otros animales". "Hasta ahora", reconoce con un gesto cómplice, "solo había trabajado con uno, el hombre". Su nuevo trabajo ha situado la cámara frente a esa parte del planeta, un 46% según sus cifras, que se muestra como en el origen y que esconde "las cosas más puras". Algunas de esas cosas, las que no se tocan -"la idea de comunidad, solidaridad y compasión"- están allí y aquí, en la vida de los pingüinos, que "viven como nosotros", pero también en la huelga del 29-S. "Los españoles sois solidarios", reflexiona Salgado pellizcando migas de pan, "porque hay una amenaza de clase. Y si empeora, la idea de supervivencia empieza a existir realmente".

Con el rastro que dejan sus palabras, no es difícil imaginar el comienzo. Empezó a tirar fotos muy tarde. Era militante de izquierdas ya en la época universitaria y "sentía que tenía algo que enseñar". Su actual esposa, Lélia, necesitaba una cámara para cursar Arquitectura en París y la compró. "Era una Pentax. Fue tan bueno mirar a través de esa lente y verlo todo", exclama Salgado agarrando la cámara con el recuerdo. "La pobre Lélia nunca la tuvo". Corría el año 1973 y el hasta entonces economista había elegido nuevo trabajo: fotoperiodismo social.

Tres décadas después, Salgado vive otra transición. "Alguien me dijo que lo intentara y me pasé al digital en julio de 2008". A su manera. Sigue necesitando una plancha grande de contacto que analiza con su lupa porque el ordenador no es lo suyo. "He empezado de nuevo. Necesitaba un negativo más grande [para el proyecto Génesis]. El aprendizaje es fabuloso. Te crea una dinámica de vida que no te da tiempo a pensar que estás viejo".

¿El secreto de una foto? Duda. "Ah, sí, hay uno: la dedicación. Yo le digo a un joven que si crees en lo que haces, y dedicas todo tu tiempo, tu vida, tendrás una oportunidad más grande".

http://www.elpais.com/articulo/ultima/secreto/foto/hay/dedicacion/elpepiult/20101008elpepiult_2/Tes

Renuncio por Hernán Casciari

2010-09-30T06:12:00.000-07:00

Renuncio

30 septiembre, 2010

Renuncié hace unos días a mi columna de los domingos en el diario La Nación, de Argentina, y renuncio hoy a mi columna de los viernes en El País, de España. Noventa columnas y dos años de trabajo en La Nación; ciento veinte columnas y tres años en El País. Aprendí mucho de ambos periódicos. Aprendí, sobre todo, que solamente me puedo divertir en un medio sin publicidad, y que solamente puedo dormir los viernes —de un tirón, sin telefonazos intempestivos— en un medio sin ideología.

I.

Cuando me llamaron del diario El País para hacer una columna los viernes en el EP3, aquel era un suplemento de 16 páginas y mi extensión límite de cuatrocientas palabras. Aquello fue en marzo de 2008. Todavía no despuntaba en Europa la crisis y las empresas aún invertían muchísimo en publicidad. A los seis meses entró un pie de página justo debajo de mi columna y adiós mis cuatrocientas palabras. Mi límite fue de trecientas veinte.

Entonces llegó la crisis. Pensé:

—A ver si ahora, sin tanto auspiciante, vuelvo a mi tamaño original.

No. Le quitaron un pliego al suplemento para abaratar costes. Más tarde la crisis arreció, y adiós otro pliego. Mi última entrega, que ocurrirá mañana, son escasísimas doscientas cuarenta palabras en un suplemento de ocho páginas. ¿Saben ustedes cuántas son doscientas cuarenta palabras? Lo que acabo de escribir ahora, en estos cinco minutos. El próximo punto y aparte será igual a mis columnas de El País.

Se me podrá decir que tengo suerte, porque al final del camino cobré lo mismo por hacer la mitad del trabajo, pero ése es justamente el pensamiento rácano del periodismo actual. Mejor sería pensar: ¿tiene sentido que un tipo que escribe tenga que expresarse conforme avance o retroceda la publicidad? Por lo menos no se trata de censura ideológica, es verdad, pero la decepción interna es idéntica.

No puede ser posible que cuando las cosas le van muy bien a las empresas tengas que escribir menos —porque entra publicidad— y cuando las cosas le van mal a las empresas tengas que escribir menos —porque le quitan páginas al diario. ¿Qué tiene que pasar, económicamente hablando, para que los lectores leamos en paz (o para que los periodistas escribamos en paz) un texto de mil palabras?

En La Nación de Argentina, en cambio, nunca me recortaron las seiscientas palabras de mi columna dominical. Allí el límite sí era más bien ideológico. No utilizar groserías, que todo lo dicho sea una verdad contrastada, respetar a la institución eclesiástica y no escandalizar a los lectores habituales del periódico. Unas cláusulas complicadas para quien escribe, más por limitación que por estilismo, enormes boludeces y mentiras grandes como un caballo.

Cada vez que enviaba una columna incorrecta a La Nación, sonaba el teléfono de casa. Es horrible cuando te corrigen desde un país donde hay cinco horas de diferencia horaria, porque el llamado fatal ocurre, casi siempre, a las dos de la madrugada.

—Hola Hernán, disculpame la hora pero estamos cerrando —me decían.

—No, todo bien, decime —contestaba yo con la voz seca y el lado izquierdo de la cara con marcas de almohadón.

—Estábamos editando tu columna y nos saltó una duda. ¿Qué querés decir, exactamente, en el párrafo sobre Ratzinger?

—En qué parte.

—Donde ponés que a “Ratzinger le gusta que le metan una lámpara de pie en el ojete”… ¿Está contrastada esa información?

—No. Es una sospecha que tengo.

—Pero es muy delicado decirlo sin un sustento. Es una información muy fuerte.

—No es una información, es un chiste. ¿Querés sacar ‘ojete’ y poner ‘ano’? Por mí todo bien, no soy quisiquilloso.

—Me preocupa más la expresión ‘lámpara de pie’… A nuestros lectores no les gustan esas referencias lumínicas hacia la Iglesia Católica.

Entonces yo me levantaba, iba a la máquina y empezaba a quitar chistes y pensamientos trasnochados hasta que quedaba una columna más decente. También menos mía, es verdad. Pero mucho más decente.

Si tengo que ser sincero, en estos dos años me molestaron más los recortes de El País que los de La Nación. El diario argentino me limitaba en base a un convencimiento moral o, por decirlo de algún modo, por respeto a un libro de estilo interno y a una tipología de lector. El diario español no. Los recortes de El País de los últimos años —y el de casi todos los periódicos de este lado del charco— se basan en el impulso económico de abaratar costes y de pensar, cada vez menos, en sus lectores.

II.

Y ya que estamos en el tren, aviso por este medio a Random House Mondadori que también renuncio a sacar nuevos libros con la Editorial Sudamericana de Argentina, o con Editorial Grijalbo en México. Por contrapartida, no tengo más que agradecimientos con Plaza & Janés de España. Pero como vengo embalado tampoco publicaré más allí.

No quiero saber más nada con Grijalbo porque en 2006 editó una versión de “Más respeto que soy tu madre” cambiando frases completas del libro sin consultarme. (Ya una vez lo conté en este blog.) De repente, mi personaje Zacarías Bertotti no era hincha fanático de Racing, sino del América de México. Y sin consultarme tampoco, Grijalbo le puso a ese mismo libro una portada espantosa y una tipografía horrenda. Y sin consultarme, catalogó a mi novela como de “autoayuda”. No quiero saber más nada con Grijalbo porque nunca supe si habían vendido un ejemplar. No me lo dijeron jamás, ni telefónicamente, ni por la vía habitual de depositarme la guita en el banco. No tengo datos al respecto.

Y no quiero tener más relación con Editorial Sudamericana porque estoy podrido de contestar mails de los lectores argentinos diciendo que mis libros siempre están agotados, o que no los pueden encontrar. Caminé muchas veces por Buenos Aires y lo comprobé. Distribución espantosa, marketing desganado, mucha desidia. Si no hubiera sido por los benditos .pdf de cada libro, que aparecen putuales en Orsai, en mi país de origen no me lee ni el gato.

La última vez que estuve en Buenos Aires (no fue hace mucho) el director de Sudamericana me dijo, como al pasar, que solamente se habían vendido 975 ejemplares de mi primer libro de bolsillo en Argentina. Me dio una grandísima vergüenza en retrospectiva. Por suerte no supe aquello en 2005 —pensé— cuando salió aquel libro, porque me retiraba para siempre del circuito de las letras.

Sin embargo, un par de semanas después me encontré en el Skype con Andrés Monferrand, un gran amigo y un buen librero mercedino.

—En Mercedes tus libros se venden como bizcochitos —me dijo feliz—. Tengo una lista de cuánto vendí en la librería, año por año.

Y me adjuntó esas cifras. De aquel primer libro de bolsillo, Andrés había vendido en mi ciudad natal 650 ejemplares. Qué extraño, pensé, recordando la cifra total de ventas en Argentina según Sudamericana. Qué extraño. En una de las tres librerías de mi ciudad casi se habían vendido todos los ejemplares del país. O Andrés me mentía, o me mentía la Editorial.

Yo creo que Andrés exageraba.

III.

La revista que estamos haciendo con el Chiri es, sobre todo, ganas enormes de volver a leer largo y tendido, y de que cada colaborador escriba hasta que se le antoje. Queremos tener en las manos un papel que no te venda nada, ni explícito ni subliminal. Regresar a la crónica periodística y a la ilustración de calidad, y que las fotos te cuenten una historia, y que cada línea y cada desglose esté hecho por personas apasionadas, y no por burócratas, pasantes, acomodados y becarios.

En Francia hay un precedente. El periodista Patrick de Saint-Exupéry trabajaba en Le Figaro y, según él, no soportaba ajustar sus artículos a un número limitado de líneas. Entronces creó la revista XXI, en enero de 2008, respondiendo justamente a eso. Reivindicaba el periodismo de investigación, el mismo que la prensa tradicional está perdiendo a causa de Internet. O, en realidad, por querer parecerse a Internet.

Yo me compré unos números de la XXI, y está muy bien, a pesar de ser demasiado seria. Pero algo no me gustó. La suscripción anual sale 60 euros en Francia, 70 euros en Latinoamérica y 80 euros en África. ¿En África, incluso en la zona africana que habla francés, la revista sale más cara que en el resto del mundo? Algo está funcionando mal.

Nosotros estamos armando una revista que, encuadernadita y con olor a tinta fresca, llegará sin falta a los países que hablan nuestro idioma. A todos esos países, quiero decir, no únicamente a España, México y Argentina. A todos. Queremos que la revista llegue a cada sitio donde haya alguien que quiera leer con serenidad, y que tenga un precio razonable para ese sitio. No importa si ese sitio se llama Madrid o se llama Cochabamba. Tiene que costar, en cada región, lo que cuesta un libro de tapa blanda. O es así, o no es.

Y va a ser así, incluso a pérdida.

El mayor de nuestros objetivos, el que más ganas nos dará cumplir el uno de enero, es que la revista Orsai llegue a Cuba con un precio de tapa de 4 pesos cubanos, gastos de envío incluido. La misma que en Barcelona costará 20 euros y en el resto de Latinoamérica valdrá 11 dólares. La misma. Nuestro objetivo es demostrar que si nadie lo hizo todavía, no fue por imposible.

Estamos organizando una estructura de distribución en donde ustedes, los cientos de lectores que llenaron de comentarios el texto anterior, tienen muchísimo que ver. Una red entre los lectores y los libreros como Andrés Monferrand en Mercedes, o como el propio Chiri en Luján. Los libreros amigos. A ellos tenemos que empezar ya mismo a decirles que estén atentos a este blog la semana que viene. Y que saquen con tiempo una cuenta en PayPal, porque empezarán a hacer buenos negocios. Para empezar, la cosa es con ellos. Con los libreros. Y a los libreros los tienen que informar ustedes.

Pero basta, basta, ya estoy adelantando más de lo que puedo, y hoy me senté a escribir sobre otra cosa. Sobre La Nación, sobre y El País, y sobre Random House… Hoy tenía ganas de escribir sobre renuncias y portazos.

En este sencillo acto, entonces, y ante la aterradora mirada de Cristina, mi mujer, que es catalana y no entiende de gestas y epopeyas, renuncio a todo lo molesto y a todo lo incordioso y a todo lo burocrático y a todo lo extremadamente sigloveinte de mi oficio. Le digo chau, feliz de la vida y sin rencor, a los intermediarios que me obstaculizan la charla con los lectores. Chau publicidad, que te recorta la palabra; hasta nunca burocracia, que te distribuye mal y pronto; adiós y buena suerte ideología, que te despierta por la noche.

—También dile adiós a la seguridad social y a que nos entre un duro en el banco —me interrumpe Cristina—, saluda de nuestra parte a la universidad de la Nina, despídete de comprarnos una casa y dejar de ser inquilinos, dile adiós a hacerte el tratamiento de conducto cuando se te caigan los dientes de tanto cenar las sobras… Que lo sepas, que yo cojo una maleta y me marcho, si sigues con esa idea de Cuba a cuatro pesos. ¿Qué se te ha perdido a ti en Cuba? Tú y el imbécil de tu amigo. Que desde que llegó os creéis Batman y Robin…

—¡Silencio, mujer! ¡Con tus gritos nadie puede ser anarquista en esta casa!

http://orsai.bitacoras.com/2010/09/renuncio.php#comment-35747

pintar sembrando....

2010-08-30T18:58:00.000-07:00

Esto parece una imagen normal de japoneses en una la plantación de arroz normal.
Pero a medida que se desplaza hacia abajo, emerge un cuadro como el arroz crece.
Hacia la parte inferior, las imágenes están subtituladas con una explicación de este arte único.

Es impresionante el arte de los cultivos que ha surgido a través de los campos de arroz en Japón, pero esto no es una creación extraterrestre. Los diseños han sido hábilmente sembrados.
Para la creación de las imágenes, los agricultores no usan tinta.
En cambio, utilizan las plantas de arroz de color diferentes, que han sido estratégicamente dispuestas y cultivadas en los campos de arroz.
Cuando avanza el verano y las plantas crecen, las ilustraciones detalladas comienza a emerger.

Un guerrero Sengoku a caballo ha sido creado a partir de cientos de miles de plantas de arroz.
Los colores son creados por el uso de variedades diferentes. Esta foto fue tomada en Inakadate, Japón.

Napoleón a caballo puede ser visto desde el cielo, ha sido plantado con precisión y planeado durante meses por los granjeros de esta localidad.

Un personaje de ficción, el guerrero y su mujer, cuyas vidas forman parte de series de televisión.

Este año, varias obras de arte han aparecido en el arroz de otras zonas agrícolas de Japón, como la imagen de Doraemon y los ciervos bailarines.
Los agricultores crean los murales de la siembra utilizando el arroz un poco morado y amarillo Kodaimai junto con sus hojas verde del local Tsugaru-hojas, una variedad romana, para crear los patrones de color en el tiempo entre la siembra y la cosecha en septiembre.
Los murales en Inakadate cubren 15.000 metros cuadrados de campos de arroz.

Desde el nivel del suelo, los diseños son invisibles, y los espectadores tienen que subir a la torre del castillo de la aldea para obtener una visión de la obra.

Acercando la imagen, la colocación cuidadosa de los miles de plantas de arroz en los arrozales pueden ser vistos.
Este arte se inició en 1993 como un proyecto de revitalización local, una idea que surgió de las reuniones de los comités de aldea.
Las diferentes variedades de plantas de arroz crecen junto a las otras para crear obras maestras.
En los primeros nueve años, los trabajadores de las aldeas y agricultores locales ampliaron un diseño simple del Monte Iwaki cada año. Pero sus ideas se fueron haciendo más complicados y atrajo más la atención.
En 2005, los acuerdos entre los propietarios de tierras permitió la creación de enormes espacios de arte con plantas de arroz. Un año más tarde, los organizadores empezaron a utilizar computadoras para diseñar con precisión cada parcela de plantación de las cuatro variedades de arroz de diferentes colores que llevan las imágenes de la vida.

Tirar la foto, esconder la mano por PATRICIA TUBELLA

2010-08-24T06:27:00.000-07:00

Esta fotografía es de un fotógrafo francés llamado Henri Cartier-Bresson, (1908 – 2004) el que se caracterizo por sus fotorreportajes y por su idea de lograr capturar, lo que él llamaba, “el instante decisivo”.

El Nueva York de los años veinte, en la lente de Walker Evans.-

Greta Garbo, cazada a traición a la entrada de un club parisiense en los años cincuenta.- G. DUDOGNON

De los pioneros de la imagen a Facebook, una reflexión sobre los orígenes de la sociedad del voyeurismo se convierte en éxito del verano expositivo en Londres

PATRICIA TUBELLA - Londres - 24/08/2010

Probablemente Edgar Degas no fuera el primer famoso retratado de forma furtiva y morbosa. Pero una imagen del artista a la salida de un pissoir o aseo público -capturada en su tiempo por el italiano Giuseppe Primoli, quizá el primer paparazzo de la historia- nos ilustra que las instantáneas de las celebrities en situaciones más o menos embarazosas ya eran un objetivo codiciado a mediados del siglo XIX. Aunque la pasión por la mirada indiscreta se remonta a tiempos inmemoriales, la noción de una sociedad de voyeurs en la que todos observamos a la vez que somos observados es inseparable de la invención de la fotografía y sobre todo de la producción masiva de cámaras, cómodas en el manejo y accesibles a un amplio espectro de usuarios.

Cartier-Bresson construyó bellísimas imágenes robadas a la intimidad

Se puede culpar a las modernas tecnologías de alentar esa afición insana por las vidas de los otros, que hoy domina la cultura de masas, pero la vocación aparece innata a la condición humana y solo hacía falta hallar los medios adecuados para suplirla. Esa idea puede resumir el espíritu de una exposición desplegada en la Tate Modern (hasta el 3 de octubre) que examina el papel de la fotografía a la hora de saciar nuestros apetitos voyeurísticos y se ha convertido en uno de los éxitos expositivos del verano londinense. Expuestos: Voyeurismo, Vigilancia y la Cámara propone un recorrido a través de 250 trabajos, ejecutados por algunos de los mejores fotógrafos de la historia, pero también por aficionados, que exploran imágenes icónicas, cuestiones tabúes relacionadas con el sexo o la violencia y el culto moderno al famoseo.

Si la era de los teléfonos móviles dotados de objetivos fotográficos provee hoy a cualquiera de la capacidad de invadir intimidades ajenas, los cotillas y curiosos de hace siglo y medio se las componían con una gama de ingeniosas cámaras ocultas en bastones, en el forro del abrigo o incluso en el tacón de los zapatos para espiar las actividades de sus contemporáneos. Se exponen por ejmplo las imágenes tomadas en 1930 por Walker Evans para retratar la geografía humana del tren subterráneo de Nueva York sin conocimiento de sus sujetos. Cuando setenta años después Philip-Lorca diCorcia repetía la experiencia en las calles de la misma ciudad, tuvo que afrontar una denuncia en los tribunales. El querellante perdió, porque el juez acabó reconociendo el derecho a la libre expresión artística por encima del derecho del fotografiado a la propia imagen.

El caso ahonda en un debate todavía no resuelto y que se remonta a, por ejemplo, el París de los años 50, cuando el guardaespaldas de Greta Garbo, quizá la más huidiza de las estrellas hollywoodenses, intenta sin éxito cubrir el objetivo de una cámara mientras La Divina accede a un club de St Germain. Por aquel entonces, el autor de la fotografía todavía no era catalogado como un paparazzo, término sólo acuñado a partir de la película de Fellini La Dolce Vita, estrenada en 1960.

El arte de fotografiar sin ser visto ofrece una dilatada vertiente de denuncia social. La lente de Lewis Hine documentó la explotación infantil en minas y fábricas; y la de Jacob Riis denunció las penosas condiciones de vida de los emigrantes en los Estados Unidos de finales del siglo XIX.

Junto a esos exponentes, la exposición reserva también su espacio a recrearse en imágenes románticas, eróticas o directamente pornográficas que puntean con profusión la singladura de la fotografía. Henri Cartier-Bresson, Brassaï o Weegee construyeron magníficas imágenes a base de robar momentos íntimos de sus sujetos en lugares públicos. "Para fotografiar a los voyeurs necesitaba convertirme en uno de ellos", sentenció el japonés Kohei Yoshiyuki sobre su célebre serie de imágenes que en 1979 descubría una desconocida faceta nocturna de los parques de Tokio: las parejas retozan a placer mientras un nutrido grupo de mirones se arrastra por el suelo para contemplar el espectáculo en primera fila.

La obsesión por registrar imágenes furtivas precede a la era de los móviles. Quizá sea la vocación de los sujetos por exponerse ellos mismos la que defina los nuevos tiempos de YouTube, Facebook o la telerrealidad de Gran Hermano. Remata la muestra una película extraída de las imágenes de una cámara de circuito cerrado de televisión (CCTV), esa tecnología omnipresente en los espacios públicos. También, en el propio museo. Una sugerencia de que los sistemas de vigilancia nos están privando de la intimidad y el anonimato, aunque la cuestión que queda en el aire es hasta qué punto llega eso a importarle al exhibicionista hombre contemporáneo.

El fotógrafo Raúl Cancio resume su carrera en 'Simplemente... periodismo'

2010-08-19T07:29:00.000-07:00

Retrato de perfil, mirada de frente

TEREIXA CONSTENLA - Madrid - 19/08/2010

Entre la primera portada que firmó en un diario y la última median decenas de miles de disparos, más de 45 años y algunas lecciones. La primera: retratos frontales siempre. Cuando Raúl Cancio (Madrid, 1943) entró en el diario Pueblo tenía 20 años y osadía. Le encargaron un retrato en el café Gijón. Lo hizo de perfil. "Se publicó pero mis jefes me regañaron mucho porque un retrato tiene que ser de frente". ¿Y ahora, retirado del día a día, qué piensa? "Salvo excepciones, estoy de acuerdo".

En Simplemente... periodismo, editado por la Asociación de la Prensa de Madrid, le da la razón a aquellos jefes. No hay más que ver el de la escritora Doris Lessing, limpio, sencillo. "La retrató con un clic, como yo no supe hacerlo usando no sé cuántas palabras", escribe Maruja Torres, compañera en aquella entrevista. Algo similar dirá Juan Cruz a propósito del retrato, elegante y melancólico, de la filósofa María Zambrano, boquilla en mano, a su regreso del exilio: "Vale más que las 1.510 palabras de que constó mi entrevista".

Raúl Cancio recibió a Salvador Dalí en cuclillas en el hotel Palace de Madrid para enmarcar los rasgos que hicieron Dalí a Dalí: bigote y mirada. Los retratos, de frente. Y de cuando en cuando alegorías como las piernas neoclásicas de Perico Delgado, en perfecto equilibrio sobre los pedales, a punto de despedirse del ciclismo. O el portero Iribar saltando sin balón y con el rostro desenfocado sobre un fondo de 3.500 aficionados con gesto de asombro nítidamente enfocado. Cancio ve donde otros miran (y en deportes, más). "Todo el mundo sabe mirar fotografías, pero solo unos pocos ven fotografías", sostiene.

Durante cuatro décadas, Raúl Cancio sobrellevó el estrés de decidir la foto de las primeras páginas de EL PAÍS y, antes, de Pueblo. 64 de las firmadas por él figuran en este libro. "Es difícil hacer una buena foto de prensa, disparas y sabes que nunca volverá a pasar ese momento por el objetivo de la cámara, que es irrepetible".

Irrepetible fue el desplome de Marion Jones en la calle tres en el Mundial de Atletismo de 1999: el mito tocaba tierra y, en breve, tocaría fondo. Irrepetible fue el viaje de Cancio a las celdas de Carabanchel cuando los motines y asesinatos eran moneda corriente. Y también irrepetible resultó la expulsión de Nigeria en pleno conflicto en 1969. "Si volviera a nacer", avisa, "llamaría a la misma puerta".

fotos de la construcción del Empire State Building

2010-07-31T09:53:00.000-07:00

El edificio Empire State (en inglés: Empire State Building) es un rascacielos situado en la intersección de la Quinta Avenida y West 34th Street, en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Su nombre deriva del apodo del Estado de Nueva York. Fue el edificio más alto del mundo durante más de cuarenta años, desde su finalización en 1931 hasta 1972, año en que se completó la construcción de la torre norte del World Trade Center. Tras la destrucción del World Trade Center en 2001, el edificio Empire State se convirtió nuevamente en el edificio más alto de la ciudad de Nueva York y el estado de Nueva York.

El edificio Empire State ha sido nombrado por la Sociedad Americana de Ingenieros Civiles como una de las Siete Maravillas del mundo moderno. El edificio y su interior son designados monumentos de la Comisión de Preservación de la ciudad de Nueva York, y confirmado por la Junta de Estimación de la Ciudad de Nueva York. Fue designado como un monumento Histórico Nacional en 1986. En 2007, ocupó el número uno en la lista de las edificaciones favoritas americanas. El edificio es propiedad y está gestionado por W & H Properties.

Nuestro fotógrafo decisivo por clemente bernad

2010-07-28T05:55:00.001-07:00

Domingo, 25 de Octubre de 2009

KOLDO Chamorro murió solo, como siempre decía que iba a morir. Solo, como un perro callejero. Pero que nadie se lleve a engaño. Aquí, en estas tierras de ingratitudes viejas y envidias eternas, ser un perro callejero es un grado. Significa no haberse traicionado a uno mismo ni a los que con uno caminan, no haber frecuentado los pasillos del poder para obtener riquezas ni medallas manchadas de indignidad, no haber doblado la cerviz ante quienes no lo merecen. No, las medallas que Koldo llevaba prendidas en su vieja chaqueta el día que lo enterramos eran sólo unos pequeños pins baratos cuya importancia va mucho más allá de cualquier fatuidad. Una bandera de Brasil, un San Fermín, un busto de la diosa Minerva, un aspa de tela de una cofradía de la Semana Santa sevillana, una insignia del diario francés Libération. Nada más y nada menos. Ahí estaba, como una pequeña constelación vital, todo lo suyo: la preferencia por los desfavorecidos y el calor de las selvas ecuatoriales; los dioses y los santos cercanos que trazaban las líneas de su mano; la diosa romana de la sabiduría, de las artes y de las guerras; la pasión visceral del sur y la escarapela tricolor que dibuja las letras de la palabra libertad; y el amor, claro.

Koldo era un contador de historias. Un curioso. Su patria era el reportaje fotográfico entendido como la forma más completa, arriesgada y pertinente para hablar de la vida de las personas. Dentro de él distinguía diversas soluciones, como el ensayo fotográfico, el reportaje monográfico o el poema visual, que le permitían utilizar unos recursos expresivos u otros. El ensayo fotográfico era su preferido porque es el espacio narrativo decisivo donde poner en juego todas las apuestas, todas las soluciones y todas las energías. Para elaborarlo, incluso desarrolló una interesante teoría que aplicaba la proxémica a la práctica de la fotografía de reportaje, y que le permitía analizar las características de los espacios sociales en los que trabajaba y determinar qué distancia era la más adecuada para cada circunstancia e incluso qué material y qué distancia focal era la más pertinente para cada caso particular.

En estos tiempos en los que el simulacro lo ha empapado todo, es difícil entender la actitud ética, la energía y la pasión de alguien como Koldo por construir una vida y una obra sin concesiones ni medias tintas, sin excusas. Se dice que nadie es profeta en su tierra y Koldo tampoco lo fue, desde luego. Era un viajero, aunque dedicó años de ingente esfuerzo a fotografiar Navarra con cariño, pero sin paños calientes. Sin embargo, aquí nunca recibió nada más que migajas, palmaditas en la espalda y palabras bienintencionadas. Pero de eso no vive un fotógrafo. Fotografió las fiestas de esta ingrata ciudad a tumba abierta durante más de 25 años, abordándolas en toda su complejidad, de una manera muy diferente a las correctas postales de la norteamericana Inge Morath o al ingenuo reportaje de Ramón Masats. Pero sus fotografías no forman parte del imaginario sanferminero, simplemente porque no se conocen. De hecho, quienes se lamentan estos días como plañideras de que haya terminado siendo un incomprendido, quizás debieran preguntarse por qué no fueron capaces de comprender a un fotógrafo rotundo, indómito y fascinante que siempre estuvo al alcance de la mano; por qué siempre se le negó el pan y la sal, y su trabajo nunca mereció el reconocimiento ni los incentivos que necesitaba para que creciese, adquiriese visibilidad y fuese comprensible para muchos otros; por qué no existe ni un solo libro monográfico que recoja ni uno solo de sus ensayos de manera completa y digna. Sus imprescindibles fotografías pueblan, injustamente, los cajones de un archivo ignoto que asusta por su magnitud.

Al abordar sus trabajos, Koldo prefería hundir sus motivos y sus decisiones en la tradición sin preocuparse por lo venidero. Prefería mirar hacia atrás para saber quién era y de dónde venía, mientras avanzaba a toda velocidad hacia delante, sin miedo. Era caliente, cercano, muy cariñoso. Fue un luchador. Nada de imágenes pusilánimes para consumo fácil de la galería. Nada de miraditas blandengues. Nada de comida rápida visual para solaz de bárbaros. Nada de atajos para alcanzar la fama, el dinero y el poder a costa de abaratar el discurso aunque sea del gusto de la mayoría. A Koldo no le interesaba la mayoría. Le interesaba lo que podía tocar, acariciar, querer, mirar, oler, contar y sufrir en concreto, siempre en primera persona. A Koldo le interesabas tú.

Tanto sus ensayos como las fotografías que los componen son difíciles de digerir. Koldo conocía perfectamente la evolución del lenguaje fotográfico y sabía cuáles eran las exigencias conceptuales y estilísticas a las que debía responder con sus fotografías. Por eso su trabajo no es una mirada más en la cesta, sino que supone un verdadero aporte a la historia del medio. Es nuestro fotógrafo decisivo. Sus trabajos más conocidos son Fuentelencina: ciclo del sol, Los Hijos-Dalgo de Iturgoyen, El Santo Christo Ibérico, España mágica, Los sanfermines, Algo llueve sobre mi corazón, Pubis pro nobis, Los silencios de Dios, El nacimiento de una nación, La violación cósmica, El sujetador y El kapote, sólo una muestra de una ingente producción que habla a las claras de su capacidad de trabajo. En todos ellos, Koldo se ocupó de múltiples cuestiones acerca de las estructuras sociales, la religión, las fiestas, los toros, el cuerpo, el sexo, etc… Sus imágenes son el resultado de un riguroso trabajo de análisis y estudio de cada uno de los temas hasta en sus más pequeños detalles. El azar trabaja después, sobre una sólida estructura compositiva y visual que huye de la evidencia como de la peste. Koldo era extremadamente exigente al analizar su propio trabajo, y no se lo ponía fácil ni a sí mismo ni a sus lectores. Sus fotografías no se agotan en una primera lectura, ni en una segunda, ni en una tercera…, son pequeños laberintos donde cualquier camino es posible, donde reina la ambigüedad y el juego, donde todo son preguntas sin respuesta, y donde -como a él tanto le gustaba recordar citando el Tao Te King- lo visible construye la forma, pero lo invisible le otorga el valor.

Mientras otros fotógrafos de su generación recorrían España en los últimos años de la dictadura de fiesta en fiesta y de procesión en procesión, en busca de un folclore superficial del que sólo obtuvieron imágenes anecdóticas, Koldo se afanaba en reflexionar sobre los mecanismos en los que descansaba el paso de la sociedad rural de la posguerra a la posible pero incierta nueva identidad del país. Trabajando en muchas ocasiones en los mismos territorios que aquellos, su mirada era diferente porque se clavaba bajo la línea de flotación del discurso cultural dominante, y porque nunca se aprovechaba de la energía de lo que fotografiaba en su propio beneficio, sino que era él mismo quien aportaba su energía, su bagaje y su forma de entender la vida a cada uno de sus temas.

El día de su entierro, Koldo estaba sin zapatos dentro del ataúd. Los únicos que se pudieron encontrar en aquellos momentos de confusión estaban llenos de barro. Pero, ¿de qué lo iban a estar?. Barro de las calles, tierra de los caminos, de los campos. De las cunetas.

el Mercado la Boquería en Barcelona, España en imágenes...

2010-07-13T06:19:00.000-07:00

haz click sobre la imagen para ver mas grande...

tomado de http://blogs.elpais.com/el-comidista/2010/07/10-mejores-puestos-mercado-boqueria.html

Las fotos son de Ainhoa Gomà.

Bienal Internacional de Arte Contemporaneo. ULA 2010

2010-06-30T16:04:00.000-07:00

Bienal Internacional de Arte Contemporaneo. ULA 2010

Concursos - Convocatorias

miércoles, 30 de junio de 2010

Universidad de los Andes. Dirección General de Cultura y Extensión
Centro de Investigaciones Estéticas
“La Pantalla y el Marco”
De lo Virtual (entre 17” y 21”) a lo Material (entre 21” y 34”)
Homenaje a Manuel de la Fuente.
Del 15 al 31 de Octubre de 2010. Mérida, Venezuela.

Bases

La Bienal Internacional de Arte Contemporáneo. ULA-2010, se realiza para conmemorar los 200 años de la fundación de la Real Universidad de San Buenaventura, que dio origen a la Universidad de Los Andes. Es un evento para estimular, promover y difundir el diálogo y la confrontación de las Artes Visuales, que constituyen los territorios de la creación contemporánea en las universidades, el país y el mundo.

La Bienal Internacional de Arte Contemporáneo, ULA-2010, convoca al diálogo entre los lenguajes visuales radicalmente desmaterializados que dominan los territorios de las dos últimas décadas y los que, apropiándose de los conceptos virtuales de las nuevas tecnologías, retornan a los formatos y elementos materiales en el concepto “Marco”. No se trata del camino de la pintura hacia lo virtual sino de su posterior retorno al “Marco”, a su dominio físico, pero infiltrado por los lenguajes electrónicos de la “Pantalla”. El formato de la “Pantalla” le da una posible condición material, y reingresa, en desconstrucciones, a la plástica, legitimando lo real desde su deslegitimación virtual.

La coexistencia de lo virtual (de la “Pantalla”), realizados en los diversos lenguajes del arte digital - no material- (Video-arte, Net. Art -Red Arte- Arte sonoro-visual, Maquetas Digitales Arquitectónicas 3D, Video juego artístico, Hologramas, Fotografía digital, Cine-Átomo, Entornos virtuales, con la materialidad visual del “Marco”, en todas sus fusiones (pintura, grabados, fotografía, serigrafía, ensamblajes, técnicas mixtas, etc.), permite abrir y llevar a patencia los dos lenguajes vivos y dominantes de nuestra época.

Se propone un formato determinado, entre 17” y 21”, para el arte digital y entre 21” y 34”, para el arte material, para insistir en el espacio limitado de las pantallas electrónicas que habitamos y para des-situar simultáneamente, al ponerlos en el montaje en diálogo, a ambos lenguajes, abriendo colisiones de sentido y acercamientos que deben hacer patente lo real-ficción. De este modo se encuentran sin límites, todas las propuestas y conceptos, en el “in-situ” de la “Pantalla” y el “Marco”.

Art. 1
La Iº Bienal Internacional de Arte Contemporáneo “La Pantalla y el Marco” se realizará en las instalaciones de arte de la ULA y los espacios de arte adecuados de la ciudad de Mérida, Venezuela.
La organización, recepción, registro, conservación, montaje y difusión estarán bajo la responsabilidad de la DIGECEX y la Comisión Organizadora designada por ella, que incluirá representantes de las dependencias fundamentales relacionadas con las artes visuales de la ULA: Departamento de Historia del Arte, Facultad de Arte, Facultad de Arquitectura y Diseño, el Centro de Investigaciones Estéticas y la Galería La Otra Banda.

Art. 2
Podrán participar artistas venezolanos o extranjeros con obras de creación individual o colectiva entre Agosto 2008 y Agosto 2010, de carácter inédito.

Art. 3
La Iº Bienal Internacional de Arte Contemporáneo “La Pantalla y el Marco” tendrá dos modalidades de participación: Arte digital y Arte material. Cada artista podrá participar con una obra por cada modalidad (pudiendo participar en ambas o sólo en una de ellas).

1º Modalidad Arte Digital: En esta modalidad participarán proyectos realizados en los diversos lenguajes del arte digital (no material): Video-arte, Net. Art (Red Arte) Arte sonoro-visual, Maquetas Digitales Arquitectónicas 3D (Renders), Video juego artístico, Hologramas, Fotografía digital, Cine-Átomo, Entornos virtuales. Los trabajos serán proyectados en un formato de 17” y 21”.

2º Modalidad Arte Material: En esta modalidad participarán propuestas de todos los lenguajes artísticos, que utilicen materiales contenidos en un marco: Pintura, Dibujo, Artes Gráficas, Fotografía física, Ensamblajes y cualquier técnica mixta. Este debe estar contenido en un “marco” de 21” a 34”.

Art. 4
A) La presentación de las obras admitidas en la modalidad de arte digital y su correcta visualización es responsabilidad del artista seleccionado, para lo cual se requiere la utilización de programas compatibles con cualquier PC. Los artistas deberán consignar un proyecto de la obra y un soporte digital de la misma, preferentemente en CD o DVD, para la evaluación del Jurado de Selección. Una vez aceptados los artistas, la Comisión Organizadora establecerá el lapso y la locación de la obras. Los artistas locales, nacionales e internacionales deberán consignar especificación detallada de la instalación de la obra. La Comisión Organizadora facilitará los equipos para su adecuada instalación, sujetos a la logística disponible.

B) La ejecución de las obras admitidas en la modalidad de arte material es responsabilidad del artista seleccionado. Deben consignarse en físico, y bajo las especificaciones de las medidas consideradas en las bases de la Iº Bienal Internacional de Arte Contemporáneo “La Pantalla y el Marco”. Una vez admitidas por el jurado seleccionador serán instaladas siguiendo los criterios de la curaduría y el montaje de la misma. Las obras deben estar debidamente “enmarcadas” y con las respectivas indicaciones para su montaje, en el caso que así lo requieran.

Art.5
El artista, al inscribirse, debe llenar una planilla de datos personales y la ficha técnica de la obra (indicando el valor de la misma). Debe entregar una imagen de alta resolución de la obra en la página Web de la DIGECEX (direcciondeculturaula.com.ve), link, Iº Bienal Internacional de Arte Contemporáneo “La Pantalla y el Marco” o enviarla al Email, dircultura@ula.ve y un resumen curricular de una cuartilla en digital.

Art. 6
La recepción de las obras se realizará entre el 15 de Julio de 2010 y el 24 de Septiembre de 2010 en las siguientes sedes universitarias (Direcciones de Cultura).

• Universidad de Oriente: Dirección de Cultura, Cumaná. Edo. Sucre.
• Universidad Central de Venezuela: Dirección de Cultura, Caracas. Distrito Capital.
• Universidad de Carabobo: Dirección de Cultura, Maracay. Edo. Aragua.
• La Universidad del Zulia: Dirección de Cultura, Maracaibo. Edo. Zulia.
• Universidad de Los Andes: Dirección de Cultura, Mérida. Edo. Mérida. Av. Tulio Febres Cordero. Edif. Administrativo de la Universidad de Los Andes. 4º piso.
• Universidad de Los Andes: Galería de Arte La Otra Banda. Av. 5, Edificio San José. PB, Mérida. Edo Mérida.

Art. 7
La Iº Bienal Internacional de Arte Contemporáneo “La Pantalla y el Marco” tendrá un jurado de admisión y un jurado de calificación.
El jurado de admisión estará conformado por dos (2) críticos especialistas en arte contemporáneo de la ULA, designados por la Comisión Organizadora, y tres (3) representantes de reconocida calificación nacional, designados por la misma Comisión.
El jurado de calificación estará compuesto por tres (3) jurados, distintos al de selección, de reconocido prestigio nacional e internacional.

Art. 8
Esta Bienal contará con artistas internacionales y nacionales invitados. Las obras de artistas internacionales y nacionales invitados serán también seleccionadas por este jurado. Si los artistas invitados no desean optar a los premios no serán objeto de selección por este jurado. Ello debe ser expresamente señalado por escrito por dichos artistas.

Art.9
La Iº Bienal Internacional de Arte Contemporáneo “La Pantalla y el Marco” otorgará los siguientes premios:
Gran Premio, consistente en Diploma de Honor y premio en efectivo para la mejor obra de la Bienal 20.000 Bsf.
Premio Modalidad Arte Digital, consistente en Diploma de Honor y pasajes y alojamiento por tres noches en los Roques.
Premio Modalidad Arte Material, consistente en Diploma de Honor y pasajes y alojamiento por tres noches en Canaima.
Se otorgarán dos menciones honoríficas por modalidad sin premio.

Art. 10
En caso de ser premiadas obras reproducibles, el artista consignará diez (10) ejemplares de la obra galardonada, adicionales a la expuesta.
Todas las obras premiadas pasarán a formar parte de la colección de obras de la Galería La Otra Banda, de la DIGECEX, ULA.

Art. 11
Las obras no seleccionadas deberán ser retiradas en las sedes respectivas entre los quince (15) y treinta (30) días consecutivos a la publicación de la lista oficial. Transcurrido ese lapso, la Comisión Organizadora podrá disponer de las mismas. Las obras participantes no premiadas deberán ser retiradas en las sedes respectivas, a partir de los quince (15) días hábiles luego de la clausura. Transcurrido este periodo, la Comisión Organizadora podrá disponer de las mismas.

Art. 12
Lo no previsto en estas bases será resuelto por la Comisión Organizadora.

Universidad de los Andes. Dirección General de Cultura y Extensión
Centro de Investigaciones Estéticas

Inscríbete aquí

Fuente: Carlos Ancheta

DANIELA EDBURG... fotos

2010-06-23T07:53:00.000-07:00

Temáticas un poco espeluznantes y satiricas, muy relacionadas con los desastres y la muerte, colores impactantes e imágenes que hablan por si solas, describen el portafolio fotográfico de DANIELA EDBURG. Esta artista y fotógrafa ha logrado tal reconocimiento que ha logrado que su trabajo en fotografía sea expuesto en conocidas galerías del mundo.

Website de DANIELA EDBURG

El Mundial de la vuvuzela... en fotos

2010-06-23T06:15:00.000-07:00

Les invito a leer y ver el post original en:

http://blogs.publico.es/mesadeluz

Football fans play vuvuzela horns as they watch the 2010 World Cup opening match between host South Africa and Mexico at a Fanfest site in Nelspruit, on June 11, 2010. AFP PHOTO / Martin BERNETTI

A la espera de que este pueda ser el Mundial de fútbol que España gana o que surja una nueva mano de dios desde el banquillo o que algún jugador peque un cabezazo a otro en la final y ya que este no ha sido el Mundial en el que despierte el fútbol africano… el Mundial de Suráfrica 2010 es el Mundial de las vuvuzelas.

Las vuvuzelas son esas trompetas que ya existían cuando mi padre me llevaba a ver a Butragueño. Ya decía yo que lo peor de tener el Mundial en Suráfrica no era la inseguridad, eran las malditas vuvuzelas que no paran de sonar durante todo el partido en los paises africanos. Un zumbido constante cuya intensidad no guarda relación con lo que ocurre en el terreno de juego en ningun momento, lo que me hace pensar que a los sopladores de trompetas les divierte más su sonido que el propio partido.

En España casi no se ven en los estadios y han sido sustituidas por los aplaudidores hinchables. Recemos para que no se pongan de moda. La FIFA tanteó a los organizadores para intentar prohibirlas. Pero resulta absurdo e imposible negarle al público la entrada con las trompetas a estas alturas. Hasta los seguidores occidentales también se han sumado a la fiesta. Porque este es el Mundial de la vuvuzela como podéis ver en estas imágenes.

TOPSHOTS Three-years-old Amy holds a vuvuzela horn at the football-made-up belly of her mother who is pregnant in the ninth month on June 19, 2010 in Frankfurt an der Oder, eastern Germany. The FIFA Football World Cup 2010 is taking place from June 11 to July 11, 2010 in South Africa. AFP PHOTO PATRICK PLEUL GERMANY OUT

A South African street vendor wearing a colourful wig blows a vuvuzela horn along a street in Pretoria on June 16, 2010 just hours before the 2010 World Cup football match between South Africa and Uruguay. AFP PHOTO / Monirul Bhuiyan

TO GO WITH STORY BY CHARLOTTE PLANTIVE This photo taken on June 18, 2010 shows an advertisement of a man blowing a vuvuzela on the streets of Polokwane, one of the host cities for the 2010 World Cup held in South Africa. AFP PHOTO / PABALLO THEKISO

A South African roadside vendor poses at his stall selling vuvuzela horns, scarves and flags of various countries along a street in Pretoria on June 16, 2010 just hours before the 2010 World Cup football match between South Africa and Uruguay in the city. AFP PHOTO / Monirul Bhuiyan

A fan blows the vuvuzela during the Group A first round 2010 World Cup football match South Africa vs. Mexico on June 11, 2010 at Soccer City Stadium in Soweto, suburban Johannesburg. - NO PUSH TO MOBILE / MOBILE USE SOLELY WITHIN EDITORIAL ARTICLE - AFP PHOTO / VALERY HACHE

A South Africa supporter blows a vuvuzela prior to the start of the Group A first round 2010 World Cup football match South Africa vs. Uruguay on June 16, 2010 at Loftus Verfeld stadium in Tshwane/Pretoria. NO PUSH TO MOBILE / MOBILE USE SOLELY WITHIN EDITORIAL ARTICLE - AFP PHOTO / PEDRO UGARTE

Professor Eckhard Hoffmann of the Aalen University tests the loudness of a Vuvuzela in a laboratory at the university in the southern German city of Aalen on June 14, 2010. The professor measured a loudness of up to 160 decibels during his tests. Vuvuzelas are the dominating fan article at the FIFA 2010 World Cup in South Africa. AFP PHOTO / MONIKA THEISS GERMANY OUT

Football fans wave flags and “vuvuzela” horns while watching the 2010 World Cup match between Germany and Australia on large screen televisions at the “Fan Fest” in Durban on June 13, 2010. Germany thrashed 10-man Australia 4-0 in their opening Group D match of the World Cup in Durban with goals from Lukas Podolski, Miroslav Klose, Thomas Mueller and Cacau. AFP PHOTO / Aris Messinis

A fan uses paper ear plugs to block the sound a vuvuzela in Johannesburg on June 12, 2010 during the Nigeria vs Argentina 2010 World Cup match at Ellis Park Stadium. Argentina won 1-0. AFP PHOTO / ALEXANDER JOE

MUN15 PORT ELIZABETH (SUDÁFRICA) 21/06/10.- Un aficionado chileno sostiene una pancarta que hace alusión a las vuvuzelas sudafricanas en las gradas del estadio Nelson Mandela Bay ,en Port Elizabeth,donde esta tarde las selecciones de Chile y Suiza se enfrentan dentro de Grupo H de la primera fase del Mundial de Sudáfrica. EFE/Alberto Estévez PROHIBIDO SU USO EN DISPOSITIVOS MÓVILES

A soccer supporter blows a vuvuzela as a child laughs, before the World Cup group G soccer match between Portugal and North Korea in Cape Town, South Africa, Monday, June 21, 2010. (AP Photo/Armando Franca)

JON05 — (SUDÁFRICA) 20/6/2010.- Sbusiso Banda, un mecánico de carretera, usa una vuvuzela como embudo para llenar de agua destilada una batería de un coche averiado en Mokopane, Limpopo, Sudáfrica, hoy, domingo, 20 de junio de 2010. EFE/Jonathan Brady

MCX213 JOHANNESBURGO (SUDÁFRICA), 21/6/2010.- Unos aficionados hacen sonar sus vuvuzelas antes del partido España-Honduras, del grupo H del Mundial de Fútbol de Sudáfrica 2010, en el estadio Ellis Park de Johannesburgo, Sudáfrica, hoy, lunes 21 de junio de 2010. EFE/KERIM OKTEN PROHIBIDO SU USO PARA DISPOSITIVOS MÓVILES REMITIRSE A LAS CONDICIONES Y TÉRMINOS DE LA FIFA WORLD CUP 2010

Workers fix a giant vuvuzela soccer horn on top of Cape Town’s famous unfinished highway bridge, May 27, 2010. The city is one of nine South African cities hosting the 2010 Fifa Soccer World Cup, which kicks off on June 11. REUTERS/Mark Wessels (SOUTH AFRICA - Tags: SPORT SOCCER ODDLY WORLD CUP)

A vuvuzela is seen next to a South African worshipers as he prays at Pretoria’s Cathedral of the Sacred Heart in South Africa, Sunday June 20, 2010. Worshippers packed the pews to hear Father Victor Phalana’s soccer sermon, many of them wearing their soccer jerseys, colorful hats and Bafana Bafana scarves. (AP Photo/Emilio Morenatti)

MUN05 MADRID 17/06/2010 Fotografía tomada ayer día 16 en Durban de una bolsita que contiene tapones para los oidos, conocidos en el mercado como “Vuvu”, de reciente aparición en Sudáfrica y cuyo objetivo es aislar del enorme ruido que emiten las vuvuzelas, las famosas trompetas africanas cuyo estruendo ya ha provocado quejas entre los medios de comunicación y los espectadores.EFE/Andy Rain

An England soccer fan blows his vuvuzela during the World Cup group C soccer match between England and Algeria in Cape Town, South Africa, Friday, June 18, 2010. (AP Photo/Emilio Morenatti)

Los fotógrafos plantan a Zapatero en protesta por las detenciones de dos compañeros

2010-06-23T06:05:00.000-07:00

Un reportero del diario 'La Razón' y un 'freelance' fueron arrestados en los últimos dos días

JALED ABDELRAHIM - Madrid - 23/06/2010

Con las cámaras en el suelo encontró el presidente del Gobierno, José Luis Rodríguez Zapatero, a los reporteros gráficos que habían acudido a cubrir la sesión de control al Gobierno en el Senado. La razón: en tan solo dos días (lunes y martes) dos de sus compañeros habían sido trasladados a dependencias policiales por hacer su trabajo. El primero, periodista del diario La Razón, a manos de los agentes municipales de Madrid, y el segundo, un reportero freelance, por la policía nacional.

Edu León, el freelance, pasó la mañana de ayer captando imágenes de agentes de paisano que arrestaban a extranjeros en el metro de Sol tras requerirles la documentación. Según el reportero, un total de ochos inmigrantes fueron arrestados ante su objetivo sin que los policías se percatasen de su presencia. La intención de León era demostrar la existencia de las redadas policiales a indocumentados que niega el Ministerio del Interior.

Terminó su trabajo, envió las fotos y tomó el suburbano. Fue en la estación de Lavapiés cuando León vio a un subsahariano esposado y retenido por unos agentes. Sacó su cámara, y disparó. El gesto le costó caro. León recuerda que los agentes se acercaron y le pidieron su identificación, que ofreció sin prestar resistencia (pasaporte y acreditación de periodista). Acto seguido, le requirieron que entregase la tarjeta digital de la cámara donde almacenaba las fotos, algo que el reportero se negó a hacer. "Fue entonces cuando me obligaron a acompañarles hasta la comisaría de Sol. Allí me tuvieron custodiado por un policía durante una hora, después me quitaron la tarjeta de fotos, y me dejaron irme", relata León.

Fuentes de la Policía Nacional niegan la versión de León y dan una totalmente opuesta: "No iba bien identificado", dice un agente a pesar de reconocer que les mostró el pasaporte. "Y no le obligamos a acompañarnos, vino él voluntariamente para que le abriésemos diligencias", añade. Según el policía, el subsahariano del metro había sido arrestado por "estar mirando para hacer hurtos", y a León se le requirió la tarjeta "para preservar la intimidad del detenido". "Ahora la tarjeta fotográfica que le fue retirada a León será remitida al juzgado", añade el agente.

León asegura que no fue a comisaría por voluntad propia, sino obligado por la policía, y que el inmigrante detenido, al que conoce de vista por cruzarse con él por la zona, es un trabajador que lleva en España al menos ochos años.

El segundo caso sucedió un día antes. Jesús G. Feria, reportero gráfico del diario La Razón, estaba cubriendo la cita de cientos de personas para ver el partido de la selección en unas pantallas gigantes en el estadio Santiago Bernabéu. Fue entonces cuando vio cómo la Policía Nacional identificaba y cacheaba a unos jóvenes. Feria tomó las imágenes, pero unos policías municipales que le vieron hacerlo le pidieron que se identificase. Así lo hizo. No obstante, también pidió al agente que le ofreciese a él su número de placa. "Me había dado un empujón y encima se reía de que le pidiese su número", asegura el fotógrafo. Feria volvió a tirar una foto y el policía le propinó un porrazo en los brazos, según el reportero. El agente siguió recriminándole cuando la cámara se disparó de nuevo, esta vez de forma accidental, según Feria. Fue entonces cuando, siempre según el fotógrafo, el agente cogió el bolígrafo con el que estaba apuntando sus datos y se lo intentó clavar en el pecho al reportero. "No se quedaron mi tarjeta, pero me esposaron, me llevaron a comisaría y me han denunciado por atentar contra la autoridad", enumera Feria.

Ahora Feria está citado para relatar su historia ante un juez el próximo 7 de julio. La tarjeta de León, también está a disposición judicial con las imágenes de la detención un inmigrante. "Siempre estamos con lo mismo", concluye un compañero del gremio.

Éxito en la primera subasta de la Polaroid Collection

2010-06-22T06:30:00.000-07:00

Éxito en la primera subasta de la Polaroid Collection

La pasada noche, la casa de subastas Sotheby's llevó a cabo en Nueva York la primera de las dos sesiones que tiene previstas para ofrecer las fotografías de la Polaroid Collection. La venta obtuvo unos resultados por encima de las expectativas. Todos los lotes encontraron comprador y un 87% se adjudicaron por encima de su estimación más alta.

En total, la venta recaudó 5,86 millones de euros, muy por encima de lo esperado, estimado entre 2,3 y 3,6 millones de euros, cuando todavía todavía quedan 300 lotes por vender.

Además, esta primera subasta -esta noche tendrá lugar el segundo pase donde se ofrecerán más de 300 lotes- estableció precios récord para fotógrafos como Ansel Adams y Lucas Samaras, e importantes precios para imágenes de artistas como Chuck Close, Andy Warhol, Robert Rauschenberg y David Hockney, entre otros.

Maravillosas - Fotos a color de principios del siglo XX, alrededor del mundo (100 años atrás).

2010-06-15T20:14:00.000-07:00

Portraits

Algeria

Dahomey - now Benin

Bosnia

Brasil

Bulgaria

Cambodia

Canada

China

Croatia

Dijbouti

Egypt

England

France

Germany

Greece

Holland

India

Iran

Iraq

Ireland

Italy

King Faisal

Lebenon

Macedonia

Mongolia

Montenegro

Morocco

Norway

Palestine

Serbia

Spain

Sri Lanka

Sweden

Switzerland

Syria

Turkey

United States of America

Vietnam

Toni Catany La excelencia en la fotografía por Julia Márquez

2010-06-09T05:55:00.000-07:00

Lluchmayor (Palma de Mallorca), 1942

Reconocido fotografo español, Toni Catany obtiene imagenes que parecen suspendidas en un tiempo irreal, flotando entre el pasado y el presente. Crea una atmosfera de melancolia a traves del dominio de la luz, evidenciando su pasion por la expresion plastica y visual y centrando su interes en el bodegon, el cuerpo y el paisaje.

Toni Catany es fotografo autodidacta. En 1967 comienza a trabajar como fotografo "freelance", realizando reportajes de viajes para "La Vanguardia" y "Destino".

Desde su primera exposicion en 1972, ha realizado mas de cien exposiciones individuales y otras tantas colectivas en todo el mundo.

Sus creaciones fotograficas han sido expuestas en España, Francia, Suiza, Reino Unido, Italia, Grecia, Paises del Magreb, Australia y Japon.

Parte de su trabajo se encuentra en innumerables colecciones privadas y publicas alrededor del mundo.

Entre 1987 y 1994, se han editado cinco libros sobre su obra personal.

Ademas ha recibido los siguientes premios: - Premio Nacional de Fotografia 2001 (España) - Premio Nacional de Artes Plasticas (Catalunya) 2001

Tony Catany: La excelencia en la fotografía
Julia Márquez

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Ÿ Oscar Yánez

Para Tony Catanay la fotografía es el medio de expresión hacia el que se sintió atraído desde muy pequeño. Hoy en día su obra fotográfica lo ha hecho trascender las fronteras de la pequeña isla donde nació: Mallorca. De hecho, la revista Life lo ha considerado entre los 100 mejores fotógrafos del mundo. Catany, a través de sus imágenes refleja una sensibilidad muy particular, una estética muy personal. El dominio de la luz y el lirismo de su composición fotográfica hacen de él realmente un poeta de la fotografía.

En una conversación con la fotógrafo Ana Luisa Figueredo y quien suscribe Tony Catany comentó sobre sus inicios en la fotografía, sus proyectos actuales y su obra que según el mismo afirma ha evolucionado al igual que la vida misma.

VA. ¿Cómo fueron tus inicios en la fotografía?

Es desde siempre. A mi de pequeño me encantaba mirar revistas ilustradas y recuerdo que desde muy niño quería una cámara de fotografiar, la primera fue una de juguete. Me conformé por unos días, pero cuando comprobé que no salían imágenes comencé otra vez a pedir una cámara. Hasta que unos tíos que vivían en Colombia regresaron a Mayorca y me trajeron una cámara de fotografía de regalo. Finalmente la conseguí. Esos son mis primeros recuerdos. La cámara era un cajoncito de esos Kodak y no me permitía hacer retratos. No podía acercarme mucho al modelo. Entonces, vi en la prensa un anuncio de un curso de fotografía por correspondencia y me apunté. Esta fue una forma de poder conseguir que me enviaran, desde Barcelona, una ampliadora, reveladores y todo el material que necesitaba. Yo empecé mi formación con un curso muy simple de fotografía.

Cuando fui a estudiar química en Barcelona – no estudiaba mucho - conocí a una señora que empezó a trabajar en una nueva editorial. Estaban buscando fotógrafos y ella sabía que yo era muy aficionado a la fotografía así que me propuso que trabajara para ellos. Dejé los estudios, en contra de la voluntad de mis padres. Con los primeros ahorros, de mi trabajo en la editorial, me compre las cámaras pagando a plazos y a medida que ganaba iba pagando mi cámara profesional.

VA. En tú fotografía usas muchas técnicas antiguas...

Yo he utilizado el calotipo. La historia de la fotografía me interesa y también resucitar técnicas antiguas. En la primera época se inventaron una cantidad de procedimientos que luego se desechaban porque se alteraban. Generalmente era porque no lavaban bien las copias y por esta razón se alteraban. Pero estoy seguro que hay fórmulas en libros antiguos extraordinarias que podrían recuperarse con buenos resultados en la actualidad.

Yo era muy aficionado a un mercado de trastos viejos y generalmente había cámaras. Me compré una cámara de gran formato que era preciosa de madera de final de este siglo. Yo quería utilizarla, pero era una cámara que ni siquiera tenía obturador y entonces cómo controlaba la luz. Se me ocurrió que si ponía un papel en vez de una película muy sensible, por lo menos en el laboratorio, con la luz roja podría controlar un poco el negativo. Luego como era una superficie que no era traslúcida tenía que obtener la copia por contacto. Yo me inventé el calotipo, porque fue meses después que descubrí que esto podía ser una técnica que hubo en fotografía, que era el calotipo. Yo hice toda una serie con el calotipo, es decir, recuperé una vieja técnica. Esto fue en el 76.

VA. ¿Qué es para ti la fotografía?

La fotografía para mi es muchas cosas. Es un modo de expresarme que tomé desde pequeño, de una forma inconsciente. Con la fotografía me resulta fácil expresar mis sentimientos. La obra fotográfica que hago es un poco autobiográfica. Me dejo llevar por el azar, los viajes, los acontecimientos para hacer mi obra También es mi medio de vida, es la fotografía por encargo la que me da de comer, pero la hago muy poca, lo que en realidad me interesa es poder expresarme a través de la fotografía. Hay épocas en que no tengo nada que decir y no hago fotos, no pasa nada y cuando tengo un tema desarrollado, una necesidad de crear imágenes, entonces lo hago.

VA. ¿Cuáles son los fotógrafos que más te han influenciado?

No lo sé, porque los fotógrafos que más me gustan son casi siempre los más alejados de mi obra. Por ejemplo, Diane Arbus, Witkin o tantos otros.

VA. ¿Alejados en qué sentido?

Porque tienen una obra muy fuerte, muy dura. La mía yo creo que es todo lo contrario, es más poética. Yo transformo lo que veo, busco que las fotos me salgan de adentro y no tomo modelos de afuera. Claro evidentemente que mi cultura, mis conocimientos mis vivencias, hacen que mi obra sea de una manera, puede que haya un ingrediente de un fotógrafo o de otro, pero yo no estoy consciente de ello. A veces me han comparado con el fotógrafo checo Sudek – a quien admiro – pero lo que hice yo con cierto parecido a Sudek, lo descubrí después. Por afinidad me encantó su obra. Yo leí cosas sobre Sudek, sobre su vida, y no es extraño que salgan cosas parecidas. Le interesaba mucho la música y tenía unas sensibilidades parecidas a las mías y puede salir algo parecido, pero que es muy diferente al mismo tiempo.

VA. ¿Cómo ha cambiado tu obra con el tiempo?

Ha cambiado porque yo voy cambiando. Hay una evolución como en la vida misma. Voy lentamente, los calotipos son la primera obra con la que yo me identifiqué. Eran imágenes que me venían de dentro. En España nos llegaba mucho la fotografía americana, con estos paisajes desolados, pero cómo iba a buscar paisajes desolados donde había pocos. Me di cuenta de que si yo era mallorquí tenía que reflejar el paisaje mallorquí y no copiar una estética de otra cultura. Con los calotipos llevaba un lenguaje personal. Con esta técnica hice paisajes, bodegones y todos los temas clásicos que luego he ido desarrollando poco a poco. Fotografiaba objetos que me eran muy afines, regalos de mis padres, recuerdos de mis viajes, objetos muy sentimentales para mi. Fotografié bodegones o naturalezas muertas, primero en blanco y negro, luego en color y estuve como diez años haciendo naturalezas muertas. Luego surgió otra etapa en la que hice la colección del desnudo masculino: tenía movimiento, no era un objeto sino el cuerpo humano, tome de nuevo al blanco y negro, surgió una imitación en cuanto al procedimiento parecido al calotipo y en vez de utilizar siempre el formato cuadrado en esta serie no había ninguna con el mismo formato. Como me gusta viajar, surgió oro libro que recogió una selección de imágenes del Mediterráneo. Es como si escribiera un artículo sobre el Mediterráneo, pero a través de las imágenes. Para reflejar el Mediterráneo, tan dispar y diverso, utilicé todas las técnicas que conocía hasta ese momento: el blanco y negro, el color, el calotipo. Todo es una mezcla en este libro que era un riesgo y salió bien, obtuvo premios y hoy hace años que está agotado.

VA. ¿Por qué el mar?

Porque yo soy de una isla y el mar es lo que realmente me atrae. Me da una sensación de libertad extraordinaria. Esta libertad es una intención simbólica porque apenas si se nadar, pero me gusta mucho.

VA. ¿Qué sentiste cuando la revista Life te seleccionó entre los 100 mejores fotógrafos del mundo?

Fue una satisfacción. Te da ánimos, te das cuenta que la gente aprecia lo que haces, eso te da ánimos para continuar y está muy bien. Pero es simplemente una satisfacción.

VA. ¿ En qué proyectos estás trabajando?

En estos momentos hay un tema que es importante, que no lo ha había tocado seriamente o por un tiempo largo y es lo que estoy haciendo actualmente. Generalmente los desnudos eran sin rostros, la expresividad del cuerpo es tan interesante que no quería trabajar otra parte del cuerpo. Ahora es al revés, lo que quiero es el rostro y no el cuerpo. Actualmente hay muchos fotógrafos que cuando tocan el retrato lo hacen en blanco y negro y me pareció un reto hacerlo en color.

VA. ¿ Qué te parece la tecnología digital?

Es fantástica. Me parece que la ciencia va aportando cosas que enriquecen. Amplía el abanico para que la persona se pueda desarrollar en estas nuevas técnicas. Aunque yo encuentro que para mi sería un esfuerzo demasiado grande. Porque por mi forma de ser me cuesta habituarme a estas nuevas formas, pero las encuentro fantásticas. Están surgiendo nuevas generaciones, nuevos artistas que utilizan estas tecnologías.

VA. ¿Vienes a Venezuela por algún proyecto en específico?

Como decía, mis fotos son un poco autobiográficas, yo he venido a Venezuela porque tengo aquí unas excelentes amistades, creo que la gente es encantadora, me tratan muy bien y yo deseaba hacer un viaje. Como fotógrafo que soy voy con la cámara y aprovecho para captar momentos y cosas del país que estoy visitando; pero en relación con el trabajo que estoy haciendo que en este momento es el retrato y según mis vivencias en este momento aquí.

Cruz-Diez comparte homenaje en Londres con latinoamericanos

2010-06-03T08:24:00.001-07:00

Foto: En esta imagen de archivo del 10 de septiembre del 2008,el artista venezolano Carlos Cruz-Díez habla a la prensa durante una presentación de la exposición “Carlos Cruz-Diez: (In)formed by Color”, en Nueva York. (AP Foto/Mary Altaffer, Archivo)

El artista cinético venezolano Carlos Cruz-Diez, homenajeado en la primera edición de la feria de arte latinoamericano PINTA en Londres, considera que éste es un momento de descubrimiento artístico de la región.

Con los años, señaló, “se ha entendido la fuerza y originalidad conceptual” de movimientos que se iniciaron en Venezuela, Uruguay, Brasil y Argentina en la década de 1940.

“En América Latina ha habido y sigue habiendo excelentes artistas, pero durante mucho tiempo la opinión mundial fijó su atención únicamente sobre los muralistas mexicanos, Frida Kahlo, Rufino Tamayo, Wifredo Lam, y Sebastián Matta”, escribió Cruz-Diez al contestar preguntas de The Associated Press por correo electrónico. “Gracias a la comunicación planetaria inmediata en que estamos viviendo, el mundo se ha enterado de que hay muchos más artistas y muy importantes”.

Para el representante del opt art (arte óptico) y el cinetismo, el otro factor que ha impulsado el descubrimiento de la región es el “gran esfuerzo” de algunas instituciones y museos por dar a conocer a artistas de América Latina.

Cruz-Diez realizó su primera exposición individual en Estados Unidos en 2008, y el año que viene el Museo de Bellas Artes de Houston presentará una retrospectiva del artista.

Esta feria, que busca “la globalización del arte moderno y contemporáneo latinoamericano”

El venezolano y la cubana Carmen Herrera fueron los homenajeados de la primera presentación de PINTA en Londres del 3 al 6 de junio. Esta feria, que busca “la globalización del arte moderno y contemporáneo latinoamericano”, también se realizará en noviembre en Nueva York, por cuarto año consecutivo.

“Estoy sumamente agradecido y conmovido por este homenaje tan afectuoso, que deseo compartir con todos los artistas del continente”, indicó Cruz-Diez.

Londres, señaló, es una “gran ciudad abierta a la diversidad de pensamientos”, con un departamento de arte “muy activo” en la Galería Tate.

Cuando se le preguntó por sus experiencias en la capital británica, el artista de 86 años residenciado desde hace medio siglo en París, recordó que en 1965 se realizó una exposición en la Galería Signal que presentó obras de creativos de la región.

“Estas causaron gran impacto, pues era la primera vez que el cinetismo y las vanguardias latinoamericanas se exponían en Inglaterra”, escribió.

Cruz-Diez, quien se considera un “explorador” y “hombre del presente”, indicó que su último descubrimiento ha sido justamente que, “al parecer”, lo que ha dicho desde hace 50 años “está siendo comprendido”.

“Me siento muy complacido, porque el cinetismo y el op art cayeron en el olvido, luego de haber captado una gran audiencia durante los años 60″, indicó. “No se entendió nuestro discurso y se banalizó nuestro análisis de la sociedad, del artista y de la ‘noción arte”’.

Cruz-Diez, quien se ha caracterizado por sus investigaciones sobre el color, agregó que se creó “una gran confusión”, al pensar que las propuestas estaban limitadas “a mover algo con un motorcito o se reducían a un simple efecto óptico; cuando, “por primera vez en la historia del arte, se propuso el ‘tiempo y espacio reales’ como base y fundamento de la invención arte”.

“He concebido mi obra para ser compartida”.

Con respecto a la valoración de sus obras, el artista manifestó que “siempre produce satisfacción ver el interés de los coleccionistas”, pues “es un indicio de que la gente ama y se interesa por lo que estás diciendo”.

En las últimas subastas de arte latinoamericano en Nueva York, por ejemplo, la pieza Physichromie No. 321-A se vendió en 326.500 dólares (con un precio estimado por Sotheby’s de 200.000-250.000 dólares) y un cuadro titulado Induction Cromatique No. 85 alcanzó los 158.000 dólares (con un estimado de Christie’s de entre 70.000-90.000 dólares).

Cruz-Diez, que se considera un “explorador” y “hombre del presente”, está especialmente motivado en esta etapa de su vida por el interés que su arte ha despertado en los jóvenes.

¿Y cómo le explicaría su discurso a su público más joven?

“El arte es un producto del hombre para el disfrute del hombre. He concebido mi obra para ser compartida. Está incompleta. Yo hago una parte y el espectador la termina con su participación. Además de una percepción, es una experiencia de comunicación afectiva que se dirige al espíritu”, escribió.

Por ANA ELENA AZPURUA

Vía AP

photogene aplicacion para fotografias de IPAD

2010-06-02T07:16:00.000-07:00

aplicación Omer Shoor de Photogene para el IPAD parece un editor de fotos grandes, tanto para los profesionales y entusiastas de la fotografía por igual, ya que permite cierta rápida y equitativamente de edición de imágenes sólidas en el camino (aunque curiosamente no ofrece ninguna posibilidad de cambio de tamaño, de acuerdo con esta excelente revisión de Photogene encima en iPadmodo).

Aunque la propia IPAD carece de una cámara - para gran disgusto de los fans de Apple y la crítica - con una aplicación como Photogene, el navegador de medios super-sexy sirve como una buena plataforma de edición de fotos mientras estás en movimiento.

Afuera, en el campo? Viajar por placer o trabajo fuera de la foto que corrige software de gran alcance que se ejecutan en su ordenador portátil de gama alta o de escritorio? Suena como Photogene puede ayudar a salvar la brecha entre la inmediatez de romperse fotos digital en cualquier parte y hacer que "listo álbum" sin tener que esperar hasta que regrese a la base.

Mira el vídeo de demostración elegante de Photogene:

Fallece Louise Bourgeois

2010-06-01T06:29:00.000-07:00

La legendaria escultora Louise Bourgeois (París, 1911) falleció hoy en Nueva York a los 98 años. Aunque nacida en Francia, Bourgeois se mudó a Nueva York en 1938 tras contraer matrimonio con el historiador de arte estadounidense Robert Goldwater.

A lo largo de una trayectoria de más de seis décadas, Bourgeois creó un conjunto de obras rico y cambiante que va de la abstracción a la representación visceral de estados anímicos. De sus dibujos iniciales pasaría a hacer esculturas en diversos materiales, la mayoría con fuertes connotaciones sexuales y emocionalmente muy agresivas.

Las arañas

Sus esculturas monumentales de arañas, construcciones oníricas, son algunas de sus obras más conocidas. Una de ellas, Mamá (Maman, 1999), está instalada junto a la fachada posterior del Museo Guggenheim de Bilbao.

Esta escultura de bronce aborda la cualidad dual de la maternidad: la araña emplea su seda tanto para elaborar capullos como para atrapar a sus presas. Bourgeois explora con esta instalación la complejidad de la mente humana exorcizando públicamente sus demonios emocionales y recreando poéticamente asociaciones infantiles en forma de un insecto gigante.

Bourgeois fue la primera mujer a la que el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) le dedicó una retrospectiva, en 1982. A lo largo de su prolongada y fructífera vida, fue amiga de muchos de los grandes del arte siglo XX, como Marcel Duchamp o Mark Rothko.

En la galería La Cometa del D.F. mexicano, Leo Matiz y su mirada abstracta...

2010-06-01T06:04:00.000-07:00

La obra de este fotógrafo colombiano, amado en México, tiene muchos matices.

Foto: Leo Matiz

Esta obra hace parte del libro 'Los hombres del campo', 1997.

En una ecuación improbable, una población pequeña y perdida del Caribe colombiano, a la orilla del río Aracataca, con casas protegidas del sol por plantaciones de banano, le regaló al país dos genios. Aracataca dio a luz a nuestro único Nobel, el que narró Macondo; pero diez años antes, en 1917, había parido en el lomo de un caballo a quien la inmortalizó en fotos: Leonet Matiz.

Ahora, setenta años después de que el fotógrafo del Magdalena hiciera las primeras imágenes que se acercan al abstraccionismo, la galería La Cometa exhibe la muestra ‘Geometría en Colombia, la obra de Leo Matiz’.

Su hija Alejandra, guardiana del legado gráfico y de su memoria, resalta el hecho de que en 1939, en una investigación sobre la zona bananera, Matiz, sin saberlo, estaba haciendo arte geométrico, pues las imágenes de las hojas de plátano y de los racimos bajo su lente se ven de otra manera.

Esto fue poco antes de que se subiera en un carguero rumbo a México, país que le dio la gloria y la cruz. Tras dos años de recorrido, el joven Matiz llegó con sus fotografías como única referencia al D. F., la promesa de América Latina. Al poco tiempo ya estaba recorriendo el país de arriba abajo, y en siete años había entablado amistad con uno de los artistas más influyentes de la época: David Alfaro Siqueiros. Éste le habló de su gran proyecto de kilómetros de murales para rendir homenaje a la revolución Mexicana. Con esto en mente, cuenta su hija Alejandra, Matiz se fue por todo México a hacer fotos, las dejó en poder de Alfaro Siqueiros mientras hacía un trabajo especial para Naciones Unidas.

A su regreso, Matiz se encontró con una muestra de Siqueiros en Bellas Artes que, para su sorpresa, consistía en cuadros inspirados en sus fotos, sin un solo reconocimiento. “Por ingenuo y por joven, mi papá decidió pelear con ese gigante que era Siqueiros. Su denuncia le costó dejar su querido México”. A Matiz lo acusaron de desprestigiar la pintura mexicana financiado por la CIA; tras encontrar su estudio quemado, pidió ayuda al entonces Embajador Jorge Zalamea, quien lo sacó a escondidas.

Pasaron más de 45 años para que el fotógrafo se atreviera a pisar de nuevo suelo mexicano. Acompañado de su hija, con cataratas y un ojo menos (pues lo había perdido en una riña en Bogotá en el año 79) pero “con un ojo divino de reemplazo”, como dice Alejandra, Matiz regresó a trabajar a México. Lo recibió una ciudad que no era la que había dejado, pues su población era cinco veces mayor; sus temores no habían desaparecido con la muerte de Siqueiros, pero su profundo amor por esta tierra quedó plasmado en un libro Los hombres del campo, en el 97.

Matiz no pudo llegar al homenaje que le rendiría Conaculta al año siguiente: murió con el pasaje que le enviaron en una mano y con el pasaporte en otra. Pero además de un archivo de casi un millón de negativos, dejó a su hija Alejandra, la guardiana de su memoria, quien viaja por el mundo difundiendo una obra que todavía tiene mucho por descubrir.

Galería La Cometa. Carrera 10 No. 94A-25

Sara Araújo Castro | EL ESPECTADOR

Biografía

La vida excepcional de Leo Matiz empieza en 1917 en Colombia.

Se dedicó a las artes, siendo caricaturista, pintor, editor, actor y fotógrafo.

Durante los años 40 y 50, junto con G. Figueiroa y M. Álvarez Bravo, colaboró en el desarrollo creativo del cine y de la fotografía mexicana.

De su amistad con la pareja Khalo / Rivera, resulta una serie de fotos de Frida, que sigue viajando en varias muestras por el mundo entero.

Reportero especial para las revistas las más famosas - Life, Harper's, Reader's digest - ganó el premio de la prensa mexicana.

Hoy en día, es conocido como una leyenda de la fotografia del siglo XX.

También, por su épica vida, puesto que se casó 14 veces.
Huyó de México, después de un violento encuentro con el muralista David Alfaro Siqueiros.
Perdió su ojo izquierdo, algo con lo que había soñado ya 50 años antes.

Muere en Bogotá, en 1998, de una cirrosis hepática.

historia de la fotografia 6 de 6....

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historia de la fotografia 5 de 6....

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historia de la fotografia 4 de 6....

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historia de la fotografia 3 de 6....

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historia de la fotografia 2 de 6....

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documental de la historia de la fotografia 1 de 6....

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en barquisimeto es la cosa!!! venezuela gastronomica capitulo lara...

2010-05-10T13:19:00.001-07:00

pulsa la imagen para verla mas grande

Desde que los pueblos entendieron que para lograr el codiciado grial de una marca-país es necesario identificar primero haberes intangibles como son los recursos naturales, su turismo y sus tradiciones, ya pocos dudan no sólo del valor estratégico de catalogar las tradiciones gastronómicas representadas en estaciones, recetarios, técnicas, regiones, productos y productores; sino de la importancia de enseñar la cocina como un eje transversal que permita por un lado unir ciencia y cultura, y por el otro explicar a los pueblos su geografía, su historia e inclusive su política. Parafraseando al admirado historiador José Rafael Lovera: “Ha llegado el tiempo de los cocineros ilustrados”.

Dicen los taurómacos que la faena final comienza cuando el torero nota que el toro a dejado de ver la capa y lo ha descubierto. Es el momento en el que cambia el foco de sus preocupaciones. Usando libremente el ejemplo, podemos decir entonces, que los cocineros han comenzado a dejar de ver al fuego y con ello las preguntas han comenzado a brotar. Preguntas como: ¿Qué es la cocina venezolana? ¿De dónde viene? ¿Cómo ha evolucionado y hacia donde va nuestro régimen alimentario? ¿Cuáles son nuestra influencias? ¿Ante que debemos estar alertas a la hora de preservar el acervo?, han dejado de ser ejercicios retóricos exclusivos de las ciencias sociales, y han pasado a ser parte de las angustias que no dejan dormir a los que hasta ahora se habían limitado a mostrar en sartenes y pucheros su sapiencia.

Ellos, los cocineros, se unen en noches de tertulia. En una de ellas surgió el grupo Venezuela Gastronómica (http://venezuelagastronomicaac.blogspot.com), el mismo que luego de una exitosa jornada bautismal en noviembre pasado que titularon “Caracas: Capítulo 1”, se ha propuesto recorrer el país para que productores, cocineros e investigadores tengan lugares de encuentro. Decidieron celebrar su segundo capítulo en Barquisimeto la próxima semana, específicamente el 14 de Mayo. Se trata de una asociación civil en donde coinciden buena parte de los chefs más relevantes del país –y personas afines al mundo gastronómico- con un solo norte: promover, difundir y celebrar el patrimonio gastronómico nacional.

La cita será en el Teatro Juares. Allí se celebrará una jornada de ponencias, en la que coincidirán los artífices e investigadores de la región con los integrantes de “Venezuela Gastronómica”, para generar una reflexión que permita aunar esfuerzos que contribuyan a consolidar y robustecer una concepción de cocina venezolana rentable y competitiva. Los cocineros venezolanos son co-responsables de su entorno y de su país y así lo entienden.

Será una jornada en la que a través de diez conferencias, catas, muestra de productos y foros, sonará la diana de un carrera fundamental hacia la descentralización del discurso gastronómico venezolano. Para muchos cocineros la cocina regional es un concepto nuevo y mientras no comencemos a reconocernos en la diversidad que nos compone, en nuestro ADN primigenio de olores, técnicas y sabores; será difícil sentar las bases de una cocina venezolana que supere fronteras. Para lograrlo es necesario que nuestras generaciones se enteren de lo que se produce en el país, conozcan a las caras detrás de esos ingredientes, y se reconozcan en sus técnicas.

Ese día se hablará del logro patrimonial detrás del cocuy venezolano o de la excelencia de los chocolates y vinos de la región. En tarima estarán maestros roneros hablando de una denominación de origen mantenida con disciplina, hablarán de su cultura tocuyanos y caroreños y nos mostrarán sus manos sabias productores de quesos, amasadores de pan y manos femeninas que sólo saben hablar desde el humear de fogones ancestrales. Desde esa misma tarima acostumbrada a cantos, declamarán investigadores, historiadores y académico sus cantos de sueños de país.

En Barquisimeto nos espera un grupo que cocina con cariño al país y entiende que existe una cocina popular que posee técnicas y estética propias y que sólo conociendo esas raíces es que tiene sentido intervenir. Ese es el cordón umbilical que nos conecta con nuestras raíces, con lo que somos.

Desde mañana lunes 10 de mayo, podrán comprarse la entradas en la taquilla del teatro Juares de Barquisimeto o en el Restaurante Círculo (0251-9352455); la entrada tendrá un valor de 100 Bs. F. y habrá un descuento de 50 % para los estudiantes de cocina. Allí los esperará en pleno “Venezuela Gastronómica” en esta fiesta de productores, manos populares, acervo, cocineros y académicos ¡La fiesta de una marca llamada Venezuela!

expo de carlos medina en margarita...

2010-05-08T19:20:00.000-07:00

SAFARI FOTOGRAFICO ISLEÑO Delta del Tigre en buenos aires, argentina

2010-05-05T06:40:00.001-07:00

SAFARI FOTOGRAFICO ISLEÑO

"OTOÑO del BICENTENARIO"

Delta del Tigre, 9 de MAYO

Los serpenteantes caminos isleños, semitapados por la frondosa vegetación, son una invitación permanente a recorrerlos, a sentir el crepitar de las ramas secas, de las hojas, a escuchar el canto de los pájaros y disfrutar los colores de los árboles…

Pero también a descubrir lugares increíbles escondidos en las islas, conocer la gente que las habita, sus trabajos, la relación con las mareas, los botes y los barcos.

Creemos que todo forma un paisaje original que te invitamos a fotografiar con nuestro SAFARI FOTOGRAFICO ISLEÑO, que se desarrolla en la Isla donde se encuentra LA REAL, a sólo 15 minutos de lancha desde la Estación Fluvial de Tigre.

Transitamos los senderos internos de la isla, y regresamos a LA REAL, luego de casi 3 horas de travesía.

Incluye: Almuerzo con bebidas, merienda y traslados náuticos, guiado local y asesoramiento fotográfico profesional permanente.

Punto de Encuentro: ESTACION FLUVIAL DE TIGRE, 8 AM, regreso al mismo lugar 6.30 PM.

No importa el equipo fotográfico que tengas, importan las ganas y la creatividad para captar lo que tus ojos ven!

Toda la experiencia de más de 20 años como reportero gráfico,

se brinda a quienes participen de estas actividades, para asesorarlos y lograr captar las mejores imágenes.

CONSULTE POR SALIDAS GRUPALES ESPECIALES

INFORMES Y RESERVAS

Mario Cocchi

ESTABLECIMIENTO TURISTICO LA REAL

Delta del Tigre, Buenos Aires, Argentina.

www.larealtigre.com.ar info@larealtigre.com.ar

(5411) 4728 3075 / (15) 4975 5066

las fotos de la casa real española...

2010-05-03T06:31:00.000-07:00

Zarzuela aprovecha el ascenso de Don Felipe para renovar las imágenes con la obra del fotógrafo Dany Virgili

EL PAÍS - Madrid - 03/05/2010

El príncipe Felipe ha sido ascendido a Teniente Coronel de los Ejércitos de Tierra y del Aire y a Capitán de Fragata de la Armada, por lo que el Palacio de la Zarzuela ha aprovechado para realizar un nuevo juego de fotografías oficiales de los Príncipes de Asturias.

Las imágenes han sido realizadas por Dany Virgili, fotógrafo de premiada trayectoria profesional, quien también es autor de las actuales fotografías oficiales de los Reyes, obtenidas en 2007.

En dos de las fotografías, Don Felipe aparece con los uniformes de sus nuevos cargos en el Ejército, mientras que en otras dos aparece doña Letizia, que también estrena imagen, tras la operación de nariz a la que se sometió en el verano de 2008.

El nuevo material gráfico, que se seleccionó entre cientos de fotos realizadas en varias sesiones durante los últimos meses en el Palacio de La Zarzuela, sustituye a las fotografías de Pedro Madueño en 2002, en el caso del Príncipe de Asturias, y de Antonio García Dalda en 2004, de los Príncipes y de la Princesa de Asturias.

Borrado un 'graffiti' de Banksy en Melbourne

2010-04-28T19:11:00.000-07:00

El alcalde de la ciudad australiana sostiene que fue "un error" pero le resta importancia al decir que "tampoco se trata de la Mona Lisa"

EL PAÍS / AGENCIAS - Sidney / Madrid - 28/04/2010

Un equipo de limpieza municipal de Melbourne (Australia) ha borrado, por error según las autoridades, un graffiti del famoso y esquivo artista británico Banksy, considerado la quintaesencia del arte callejero y activista de esta forma de expresión. La imagen atribuida a Banksy, un ratón paracaidista realizado con plantilla, se encontraba en la popular callejuela de Hosier Lane, considerada la meca de las pintadas en esa ciudad australiana.

El ratón saludaba a los viandantes de Hosier Lane desde 2003, cuando se cree que visitó Melbourne Banksy, cuya identidad real se desconoce pese a ser una de las grandes figuras internacionales de la cultura pop de las últimas décadas. Fueron los vecinos quienes exigieron la limpieza del callejón porque se encontraba en malas condiciones y habían proliferado las firmas, así que el ayuntamiento llamó la semana pasada a los limpiadores para que borraran todos los dibujos de las paredes, en las que las autoridades no habían dado permiso para pintar.

La comunidad graffitera de Melbourne ha protestado a través de los medios de comunicación por la desaparición de una de las pocas obras que el artista dibujó en el centro de la ciudad. El alcalde de la población, Robert Doyle, ha lamentado a través de la radio ABC la pérdida, pero ha asegurado que se trata de "un error" y ha restado importancia al asunto diciendo que "tampoco se trata de la Mona Lisa". "Lamentablemente, no advertimos a la empresa de limpieza de que ésa era una pieza importante. Por desgracia, ésa es la naturaleza del arte en graffiti, que es muy vulnerable", ha dicho con algo más de tacto la jefa de los servicios municipales, Kathy Alexander, a una radio local.

"Banksy estuvo aquí"

Se trata de la segunda vez que le borran una obra, al menos que se sepa, aunque en el primer caso ni fue ni ignorancia ni error, sino censura. En octubre de 2008, las autoridades locales del distrito de Westminster, en el centro de Londres, ordenaron que se eliminara un mural de siete metros que contra la proliferación de la videovigilancia, que, a su parecer, está convirtiendo Gran Bretaña en un Gran Hermano. En la propia Melbourne tampoco es el primer ataque que sufre. Unos vándalos lanzaron pintura sobre un mural del artista con un buzo en gabardina en 2008. Aunque fue protegido por una lámina de metacrilato, vertieron nuevamente pintura, que se coló tras la protección, y escribieron las palabras "Banksy estuvo aquí". Esta suma de despropósitos ha llevado a Alexander a prometer que el ayuntamiento revisará la política de protección de obras famosas o significativas. "En retrospectiva, debimos haber actuado antes para proteger todas las obras de Banksy", ha declarado.

Es muy poco lo que se sabe de Banksy, aunque se cree que nació en 1974 cerca de Bristol, al oeste de Inglaterra, ciudad donde comenzó su actividad de grafitero a finales de los ochenta, como parte de un grupo conocido como DryBreadZ Crew. Pasó de ser un artista callejero y desconocido más a convertirse en un importante referente de la escena artística mundial en 2003, tras una exposición en el bohemio barrio londinense de Shoreditch. Su popularidad se disparó cuando comenzaron a coleccionar su obra famosos del mundo del espectáculo como Brad Pitt o Cristina Aguilera, y Banksy recurrió a otros medios más tradicionales, sin abandonar los graffitis. Sus lienzos se venden por cientos de miles de libras la pieza en las mejores casas de subastas y, por ejemplo, una pared de Londres con un dibujo suyo se adjudicó por 208.100 libras (entonces casi 275.000 euros) en una puja por internet en la que hubo hasta 69 ofertas en 2008.

A su notoriedad ha contribuido que sea un artista anónimo. Su identidad es un secreto, sólo conocida por un reducido círculo de amigos y socios. Sólo ha concedido una entrevista a un periódico y nunca asiste en público a sus exposiciones. Ha expuesto en museos de Estados Unidos e Israel y en 2009 por primera vez en Reino Unido, en el municipal de Bristol. Sus obras son con frecuencia mensajes abiertamente políticos, de carácter anárquico y provocador, con una fuerte carga de humor y subversivos del orden establecido. Con frecuencia utiliza imágenes icónicas muy conocidas, muchas veces de la propia historia del arte, que manipula para darles un sentido contrario al original.

LIBROS..... América marciana

2010-04-15T05:49:00.000-07:00

John Margolies retrata la profundidad de los Estados Unidos con 'Roadside América', un viaje de 30 años por 'dinners' impensables y moteles surrealistas, que recorre el más brillante y decadente delirio pop que se pueda imaginar

J. PASTOR - 15/04/2010

"¡Comprueba como ella cambia de chica a gorila!". Un mundano cartel que anuncia el show de un dudoso club de Atlantic City (New Jersey) reproduce gráficamente la propuesta en tres viñetas la peluda mutación. Corre 1978 y el Tarantino más barroco no lo superaría ni con toda su imaginación.

Portada de 'Roadside America', retrato tan costumbrista como surrealista de los Estados Unidos con la firma del fotógrafo John Margolies- JOHN MARGOLIES

Decadente, excéntrico, marciano. El retrato de Estados Unidos que John Margolies (www.johnmargolies.com) presenta en Roadside America (Taschen) resulta casi irreal. Se acerca más a un muestrario de decorados para películas de serie B (o Z), que a una escogida y detallista colección fotográfica en gran formato. Porque lo que muestra existió, o existe.

Hora feliz en 'El armadillo herido'

Dinners con estructura de barril, un lavado de coches supersónico con un gran cohete como emblema y reclamo, descoloridos autocines, el club El armadillo herido y su hora feliz (de 2 a 7) en Richmond, Texas, o la licorería más extravagante que podía encontrarse en Baton Rouge, Luisiana, a principios de los 80.

Después de 30 años y mucha carretera (imaginen una de 160.000 kilómetros en continuo zigzag por todo el país), la guía de la América más profunda e inclasificable está cerrada por Margolies y publicada por Taschen. Un total de 400 imágenes que rescatan una versión descolorida de Estados Unidos, entre lo freak y lo sencillamente costumbrista, profundamente kitsch, decadente y pop.

piezas publicitarias que hablan por si solas!!!!

2010-04-08T08:45:00.001-07:00

" PARA HACER UN ABRIGO DE PIEL SE NECESITAN 120 CRIAS !!!"

"Mas del 50% de los suicidios son comentidos por ancianos"

"La Pobreza no tendria que ser un condena de por vida!

"Ten cuidado con los autos cuando usas audifonos".

"Piensa Globalmente, muere localmente: Hasta ahora se gastaron 3 Trillones de dolares en paquetes de estimulos economicos para recuperar los bancos. El 1% de esto podria alimentar 59 millones de niños con hambre por un año. Es tiempo de cambiar algo".

"Los animales no son payasos para ver en los circos"

"Deten la catastrofe"

"El cigarrillo mata más"

"No Compres suvenirs de animales exoticos"

Un click puede cambiar tu futuro, ponete el cinturon de seguridad"

"Detene el cambio del clima antes que te cambie a tí"

"Chica perfecta, Nueva Súper delgada!!!, Chica perfecta, tratar con cuidado, poca vida util"

"Apoyo para personas con desordenes alimenticios"

"Un abusador nunca se reconoce como tal. Publico apoyo internacional sobre la violencia domestica"

"la naturaleza no es reciclable"

"El silencio lastima"

"Despues de los juegos Olimpicos. La lucha por los derechos humanos debe continuar"

"Cortando arboles, estas acortando tu vida"

"Los cinturones de seguridad mantiene la gente junta"

"¿Tus preocupaciones, son realmente grandes?"

"No trates a otros de la manera que no te gustaria que te traten"

"bebe a bordo. 80% de los asientos de bebe son instalados incorrectamente"

"Las mascotas no son juguetes"

"Abuso Verbal puede ser tambien terrorifico"

"Ellos te necesitan"

"La piel de un niño es 10 veces mas sensible y se prende fuego 40 veces mas rapido que la de un adulto, no es sorprendete que la mayoria de las quemaduras fatales son en menores de 4 años. No dejes llamas prendidas desatendidas"

"Los hijos y nietos de los padres y abuelos que fuman, llegan al cielo mas rápido"

"El alcohol es peor para un conductor que un arma"

"entre la vida y la muerte hay solo 0,003 mm de latex"

“Sólo después de que el último árbol sea cortado. Sólo después de que el último rio sea envenenado. Sólo después de que el último pez sea apresado. Sólo entonces sabrás que el dinero no se puede comer.”

platófotográfico

Primer taller de fotografia en panamá

RICHARD AVEDON

la proxima exposicion de carlos medina...

luis brito inaugura hoy en bogota en el marco del evento internacional FOTOGRAFICA BOGOTA 2011

1era bienal internacional de fotografia artistica contemporanea....

http://www.bienal-fotografia-ecuador.blogspot.com/

a proposito de la visita de Walter Astrada....

Fallece el cocinero Santi Santamaria en Singapur

El restaurador, de 53 años, formaba parte de la élite gastronómica con su restaurante El Racò de Can Fabes, con tres estrellas Michelin.- Ha muerto en el local que dirige su hija

La Habana Vieja por Steve McCurrys

La Habana Vieja

http://stevemccurry.wordpress.com/2011/01/07/viejo-habana/

la primera individual de francisco....

el fin de una era de 1935 hasta 2010...

La niñera reportera Por: Antonio Espejo

leo matíz... fotógrafo de la modernidad....

Maestros de la fotografía

Maestros de la fotografía

'Vanity Fair' trae a España las mejores imágenes de sus 100 años de existencia

¿Cómo obtener mejores resultados de tu cámara digital?

El mercado de accesorios para cámaras digitales está que revienta. Baterías de repuesto, rápidas tarjetas de memoria, flashes adicionales, lentes y mucho más, y todo le promete más comodidad o mejores fotos. Pero, con tanta oferta ¿qué accesorios valen realmente la pena?.

FLASHES

FOTOS NÍTIDAS

BATERÍAS

MEMORIA

'Puro cine en la sangre' Luis Ospina, director de películas como ‘Pura sangre’ y ‘Un tigre de papel’ está convencido de que las obras maestras del cin

el cineasta ganó el Premio Macondo a toda una vida dedicada al séptimo arte

'Puro cine en la sangre'

Por: EL ESPECTADOR

Foto: Luis Ángel - Elespectador.com

CHEPE CUADRA y la Asociación Internacional de Artistas Digitales Mobil

el primero de noviembre inaugura la expo de CHEPE CUADRA....

ERNESTO BAZÁN fotógrafo autor de 'BazanCuba' "Fotografío lo más banal, lo obvio y lo anodino"

SEBASTIÃO SALGADO "¿El secreto de una foto? Sí, hay uno: la dedicación"

Renuncio por Hernán Casciari

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pintar sembrando....

Tirar la foto, esconder la mano por PATRICIA TUBELLA

De los pioneros de la imagen a Facebook, una reflexión sobre los orígenes de la sociedad del voyeurismo se convierte en éxito del verano expositivo en Londres

El fotógrafo Raúl Cancio resume su carrera en 'Simplemente... periodismo'

Retrato de perfil, mirada de frente

TEREIXA CONSTENLA - Madrid - 19/08/2010

fotos de la construcción del Empire State Building

Nuestro fotógrafo decisivo por clemente bernad

el Mercado la Boquería en Barcelona, España en imágenes...

Bienal Internacional de Arte Contemporaneo. ULA 2010

Bases

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El Mundial de la vuvuzela... en fotos

Los fotógrafos plantan a Zapatero en protesta por las detenciones de dos compañeros

Un reportero del diario 'La Razón' y un 'freelance' fueron arrestados en los últimos dos días

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En la galería La Cometa del D.F. mexicano, Leo Matiz y su mirada abstracta...

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piezas publicitarias que hablan por si solas!!!!